Se puede juguetear por los bosques en la búsqueda placentera de aquello que permita prolongar ese estado de placidez. Tomar elementos en apariencia ajenos y hacerlos convivir en un solo artefacto: ser electro, rockero, dance, pop; ser creativo. Sonar festivo y lánguido; nostálgico y distante; evasivo y comprometido. Quiero Club había llamado nuestra atención desde hace algún tiempo por su provocativa propuesta: un pequeño microcosmos sonoro de la rica Monterrey. Ahora, Boscop Benavente, Marcela, Gustavo Mauricio, Priscila y Luis Fara comparten con nosotros qué suena en su particular y heterogénea discoteca.

¿Qué disco colocó a Monterrey en el mapa musical?
QC: Mucho Barato de Control Machete.

¿Qué canción ha estado sonando en sus cabezas todo el día?
BB: “Piensa en Mí” de Agustín Lara.
P: “La Granja” de Los Tigres del Norte.
GM: “The Baby Boy” de Harry Belafonte.
LF: “Smokestack Lightning” de Howlin’ Wolf.

¿Qué disco les ha decepcionado abrumadoramente?
BB: Chinese Democracy de Guns N’ Roses.
P: Cualquiera de los Yeah Yeah Yeahs.
LF: El segundo de Interpol.

¿Cuál es el grupo por (re)descubrir en Monterrey?
QC: La mayoría opinamos que Niña, pero también El Cuarto y Maligno.

¿”Comprendes Mendes” sonaría en su discoteca?
QC: ¡Por supuesto!

¿Qué grupo de la factoría Televisa les parece adictivo?
BB: ¡Caló!
P: El regreso de OV7.

¿Qué canción de alguno de sus grupos favoritos les parece un auténtico mamarracho?
BB: “Tómate la Foto” de El Tri.
P: Una de Paul McCartney que dice algo de English Garden, no recuerdo el título. [¿Será "English Tea"?]

¿Qué canción nunca faltaría en un mix tape tuyo?
BB: “El Sonidito”.
GM: “Canto Do Povo de Um Lugar” de Caetano Veloso o “Hope” de Bauhaus.

¿Una gran canción que posea un pésimo video?
BB: “Nubes” de Caifanes.
P: La nueva de Calle 13.

¿Cuántas veces han escuchado Aquamosh?
QC: Muchas, somos grandes viejos amigos y colaboradores.

¿Qué hit de un one hit wonder les hubiera gustado componer?
BB: “7 Seconds” de Neneh Cherry.
GM: “Safety Dance” de Men Without Hats.
LF: “I Ran” de A Flock of Seagulls.

¿Cuál es su disco favorito de Los Prisioneros?
BB: Pateando Piedras.
P: Me quedo con el primer disco solista de Jorge González.
GM: Grandes Éxitos (1991).

¿Bajo-batería-guitarra o sampler-sintetizador?
QC: Como grupo somos fans de las 2 mezclas, trabajamos con ambas fórmulas y varias combinaciones de las mismas.

¿Hay algo que extrañen de los cassettes?
BB: Su sonido y sobre todo las cajitas.
GM: El repararlos con cinta scotch… El sonido…
P: El tiempo que duran.
LF: ¡Todo de ellos!

¿Quiero Club se escucha mejor en la parte trasera del auto o en un rincón de la pista de baile?
BB: ¡Rincón de pista!
P: En cualquier lado.

La prestigiosa agrupación viene fresca de su primer periplo por México, país convertido de un tiempo a esta parte en la meca del rock independiente latinoamericano. Los comentarios sobre sus presentaciones no han podido ser mejores, así que lo que nos espera ver a los limeños promete ser algo de un muy buen nivel.

La cita es en la discoteca miraflorina Bizarro (junto a los locales Kinder –que presentan su primer CD de largo aliento-, y Resplandor –organizadores del encuentro). Es una buena oportunidad de ver a una buena banda sudamericana cuya propuesta nada tiene que envidiar a la de tanto anglosajón poco original que suele caer por acá en los últimos tiempos.

Por Fidel Gutiérrez M.

Ya que es la primera vez que hablamos, me gustaría saber directamente por qué al comienzo se llamaron Victoria Abril. ¿Tanto admiraban a esa actriz española?
No. La verdad es que lo que más me gustaban eran las palabras. Es un mes y una palabra muy simple. Ella es muy buena actriz, pero nuestro fanatismo no llegaba hasta ahí.

¿Y cómo fue que ella les dio ese jalón de orejas que terminó cambiándoles el nombre?
Nos mandaron una carta de un estudio de abogados muy importante de Buenos Aires. Entonces éramos muy inocentes y recién empezábamos. Quizás hoy en día lo hubiéramos peleado más, pero en aquella época éramos muy jóvenes y los abogados que consultábamos nos decían que no íbamos a ganar, que esos abogados eran muy importantes. Y todo quedó en cambiar las palabras. Fue parte de una anécdota, nada más.

¿Qué crees que diferencia al Victoria Abril de los dos primeros discos con el Victoria Mil de ahora?
Hay un montón de cosas muy similares, pero creo que es una situación igual a como cuando vas construyendo algo que no sabes terminará siendo, y que cada vez va tomando más forma. Entiendo que entre el primer disco y ahora hay un montón de diferencias, pero es porque también hemos crecido en un montón de sentidos. Como compositores crecimos. Nuestras letras son mejores. No noto que algo se esté degradando. No noto que Victoria Mil y sus discos sean peores que antes, sino que vamos creciendo y cada vez a pasos más grandes. Además tenemos con Leo Santos (baterista) y con Julián Della Paolera (guitarrista) una conexión desde niños. Con una mirada podemos decirnos muchas cosas.

Lo que encuentro diferente a todo lo demás es el sonido que tenían en la época Este Cielo de Estrellas Caerá (2003); mucho más tirado a lo electrónico.
Ese disco representa un quiebre, porque en ese momento se fue nuestro baterista original, que vuelve para el disco Estoy Bien Bien Bien; y también se va el bajista. En ese disco empieza a tocar el bajo quien hoy nos acompaña, Sebastián Velásquez, y también Gabo Manelli (de Babasónicos), pero nos encontramos solos Julián y yo, y como ya en el disco Armas (2000) preparábamos algo de ese tipo, dimos ese vuelco electrónico, con programaciones. Además, nos faltaban personas. Allí quedó bien claro que el grupo éramos nosotros dos.

En ese disco está “G-13″, una de las canciones suyas que más me gusta. Comparo su letra y la de otras de entonces con las de las canciones de Muy Lejos, que es su último álbum, y veo que ahora sus textos son menos crípticos. ¿Es su intención ahora ser más directos?
Es más directo el último disco en muchos sentidos. Hay letras de Julián muy directas. A la vez buscamos encontrar la forma de sintetizar. Hay todo un halo de locura; hay como palabras muy lindas, con mucha belleza. Hay cosas taoístas, con filosofía china. Creo que a medida que pasaron los años sintetizamos un montón de cosas y cada vez somos más claros; entonces, a la gente que te escucha esas letras les tocan en donde tienen que tocar.

No decir cosas concretas durante tanto tiempo implicaría decaer como letristas, ¿no?
Pues yo siento que Victoria Mil siempre fue un grupo disparador… Con el tiempo nuestras letras van tomando diferentes connotaciones porque van envejeciendo muy bien. Y nunca hemos sido un grupo de esos a los que les gusta explicar sus letras. Cada frase de Victoria Mil se puede interpretar para cualquier lado.

Me parece genial una frase tan directa como la del estribillo de “Cada Golpe”, la canción con la que empieza el último disco. Es un gran ejemplo de síntesis.
(ríe) A mi también me encanta. Es como si hablara un grupo lleno de buenas intenciones.

Un grupo que también tiene un lado “polémico” cuando hablan de ciertos temas. Me sorprendió saber que “Intelligent”, que está en su penúltimo disco, y que es casi un instrumental, había levantado tanta polvareda porque mencionan ciertas drogas. ¿Aún hay en tu país ese temor a hablar de cosas que finalmente resultan cotidianas, gusten o no?
(ríe) Hay gente a la que le gusta, pero hay otra que le quitaría lo que se escucha al inicio del tema [el diálogo entre un usuario y un dealer]. Hay gente a la que le da bronca porque no se anima. Creo que los estados alucinógenos o la alteración de la conciencia se han utilizado siempre. En Perú también hay mucho de ello, y para nosotros no es tabú. Claro, tampoco es que hagamos apología, pero mientras se sepan hacer las cosas para divertirse o para aprender, está bien. También nosotros hemos tomado plantas. Es algo que nos gusta y lo tomamos como un aprendizaje.

Y ya que estamos en el tema ¿existe este Robotino del que hablas en la canción del mismo nombre del último disco?
(ríe) ¿Quieres saber si es una droga nueva?

¿O es parte del imaginario de la banda?
Es parte de nuestro imaginario, y del efecto mismo que tiene la voz en la canción. Y es parte de lo que le pasa también a mucha gente. ¿Quién no ha sentido alguna vez que no iba a poder llegar a su casa?

El Rock Vive en Ellos

Al revisar las notas que les han hecho en tu país por la salida del disco Muy Lejos, encuentro que en todas ellas hay sorpresa por la longevidad de la banda. ¿Será que ya hay suficiente espacio en Argentina como para que una banda inclasificable e independiente como Victoria Mil pueda subsistir más de una década?
Hay poco espacio en realidad, pero igual hay un montón de bandas surgiendo y un montón de cosas pasando, pero la verdad es que lo que nos mantuvo hasta hoy en día vigentes fue nuestro desinterés hacia los medios, porque siempre fuimos una banda de verdad y nunca estuvimos atados a una cuestión de moda o época. Siempre lo primordial en Victoria Mil fue la música. Quisimos crear nuestro propio universo y siempre supimos que se iban a tardar en comprenderlo, porque al estar afuera de los medios, recién la gente empieza a descubrirte pasado el tiempo.

Pensaba que se sentían parte de una escena renovadora, que empezaba a tomar más en cuenta el factor de la independencia a fines de la década de los años 90.
En algún sentido sí. Cuando empezamos teníamos una banda llamada La Nueva Flor que en ese momento fue una de las primeras en editar un disco independiente en Argentina, en 1994. De allí se empezó a gestar la independencia respecto a las multinacionales.

Pero más allá de eso ¿no había entre ustedes y otros un nexo generacional o estilístico?
Realmente no. En esa época nos sentíamos más hermanados con Suárez, Estupendo, Adrián Paoletti, porque cuando empezamos, bandas como Babasónicos o Los Brujos ya estaban en grandes compañías y habían editado uno o dos discos. Entonces, somos como parte del “post nuevo rock argentino”. Pero realmente somos independientes porque siempre hemos hecho lo que quisimos. Nuestro primer disco fue independiente, pero después hemos estado en el mainstream. La verdad es que cada disco ha salido en una compañía diferente. Recién en este momento estamos más estables, en el sello Bultaco.

Que está vinculado a Babasónicos.
Así es, y allí somos directores artísticos. Con Leo Santos hicimos el disco de Travesti, que es una banda muy buena. Entonces es un momento en el que nos sentimos cómodos en el lugar en el que estamos trabajando, y eso nos permite tener una libertad que de otra forma no la tendríamos. Siempre estaríamos subordinados a algún mandato.

Esa libertad ¿implica poder dedicarse por completo al a música? Te lo pregunto porque supongo que para un grupo independiente de Buenos Aires vivir solo del arte debe de ser tan duro como lo es para una banda de Lima.
Siempre nos dedicamos totalmente a la música. Obviamente fuimos pobres mucho tiempo, pero siempre fue un proyecto a futuro Victoria Mil. Siempre fuimos una banda del futuro. Obviamente sí nos interesa el aquí y el ahora, pero desde un punto de vista en el que también pensábamos en el más allá… Es que también hay una cuestión mística que circula con nosotros, y un montón de cosas que pasan alrededor del grupo cuando la gente nos viene a ver y nos va conociendo… Es algo que tiene que ver con la sabiduría. Una persona sabia piensa en el futuro. Entonces creo que por eso que siempre hemos apostado por la música y por eso es que tenemos unos intereses musicales y artísticos muy abiertos.

Hablas de mística. ¿Puedo interpretar que tenías la certeza cósmica de que éste era tu destino?
Para nada (ríe). La música siempre me acompañó desde niño y siempre por la música es que vimos la forma de editar discos. Siempre estamos en un acantilado, por lo difícil que es. Muchas veces nos preguntábamos cuál iba a ser el próximo paso, y la verdad es que nos costó mucho trabajo. Nunca fue fácil; pero a lo que voy es que a medida que pasa el tiempo ves como la gente valora nuestra música y les resulta divertido e interesante descubrirnos. Además, hay un montón de discos para descubrir. Es como un mundo muy grande.

Un mundo en el que confluyen un montón de estilos: electrónica, pop, rock, psicodelia. Supongo que les costó ubicarse en una escena como la de tu país donde pareciera que los grupos que más llaman la atención tienen géneros muy definidos.
Siempre hemos puesto lo que queríamos. Incluso nuestro primer disco –Todos los Días Hago Eso (1997)- resultó ser uno de los primeros de una banda de rock hecho con samplers. Somos amantes de la música. Nos encantan todos los estilos. Siempre encontramos algo interesante en un montón de lados. Por eso no nos pueden encasillar y siempre estamos un poco adelante.

Los Máximos

La producción de sus discos revela un afán detallista. Los primeros se los hizo Daniel Melero…
El hizo el segundo y el tercero: Más Victoria Abril y Armas. Luego hicimos Este Cielo de Estrella Caerá con Diego Tuñón y Gabo de Babasónicos, y después Están Despedidos con Adrián Dargelos y Diego; y en este último mezcló cinco temas Tom Rixton, que ha producido nuestro último álbum. Él es inglés y ha trabajado con Depeche Mode, Elastica, Neneh Cherry y Bomb The Bass. Tiene un lindo currículum.

A lo que iba es que trabajar con Melero o Babasónicos implica una toma de posición. Melero parece ser una especie de Brian Eno, y Babasónicos siempre hicieron un pop de avanzada y experimental. ¿O elegirlos como productores fue algo circunstancial?
No. Lo que pasa es que a Melero siempre lo escuchamos. Es un referente. Es nuestro John Cage. Tiene muy buenas ideas, y a Babasónicos los conocimos con el tiempo.

En Muy Lejos, además de Julio Moura, de Virus, participa ‘La Mosca’ Lorenzo, percusionista de Los Auténticos Decadentes, que no es un grupo que uno relacionaría a la primera con Victoria Mil. ¿Cómo se dio esa participación?
A Los Auténticos Decadentes se les admira mucho. Como banda son un delirio, y nosotros también los entendemos y nos encantan. Ellos también son una mezcla muy impresionante de un montón de cosas, pero son mucho más populares que nosotros y le tocan otras cosas a la gente. Nosotros somos un grupo mucho más raro; además los Decadentes ya tenían hits cuando yo era un niño. Para mi ellos son como los Kraftwerk de Sudamérica.

¡Qué tal analogía!
Es que Kraftwerk cantaban “We are the robots” y estos cantan “Somos los piratas” (risas). Es una analogía muy loca que tengo en la cabeza y que me da vueltas. Son un ícono de la cultura latinoamericana.

Aunque a los Decadentes les costaría caro hacer el número de los robots, como Kraftwerk, ya que son tan numerosos sus integrantes.
(ríe) No necesitarían robots. Son muy personas. Son todo lo contrario a Kraftwerk… Tuve la fortuna de conocer una vez a Ralf Florian: un muñeco bárbaro. Son de los que así no más no hay. Son un ejemplo de concepto, de ideas, de música.

Escuchando Discos

¿Cómo es que afrontan nuevos escenarios? Ahora tienen la oportunidad de ir a más sitios, por lo visto. Estuvieron una temporada en México.
Es lo que nos está esperando. Necesitamos salir de Buenos Aires. Siento que es un gran momento para nosotros poder hacer esto, además por toda la gente que nos viene escuchando desde hace un tiempo y que nunca nos podía ver, y porque de alguna forma siempre tuvimos una percepción de ir hacia afuera de Argentina. Ahora eso se nos está dando por un montón de cuestiones que seguramente tuvieron que ver con nuestra forma de manejarnos en otras épocas, por nuestra independencia, por nunca estar en ningún circuito en el que no estemos cómodos. En resumen, por hacer las cosas como hemos querido. Nos hubiera encantado ir antes, pero no lo hubiéramos podido ahcer como lo hacemos ahora.

¿Sientes que en tu país hay bandas que reflejan esa actitud coherente y ese sonido que ha caracterizado a Victoria Mil?
Es que realmente nuestra coherencia –que es también muy incoherente– tiene que ver con un trabajo de un montón de años. Siempre fuimos un grupo muy original. Por más que se noten influencias no puedes decir de dónde es que vienen. No sé… ojalá que el grupo sea influencia para otros, pero realmente una influencia nuestra tiene que ver con un proceso, un trabajo y una profundidad que no todo el mundo tiene.

¿Conocen algo de la música rock o pop que se hace por acá o recién tomarás contacto con ella cuando estés en Lima?
Me han hablado bastante de esos chicos llamados Resplandor. Después tengo unos compilados de música sicodélica peruana, con “Meshkalina” de Traffic Sound y todos esos temas alucinantes. Perú parece muy rico musicalmente. Me encantaría conocer más porque siempre ha sido una influencia fuerte para mi, Mi padre viaja allá una vez por mes mínimo. Va y viene, así que siempre Perú ha estado muy cerca. Va a ser mi primera vez allí, y todos en el grupo nos morimos de ganas por hacer un buen show cuando lleguemos.

Un puñado de canciones hechas artesanalmente para no extrañar tanto a casa comenzaron a aparecer en la blogósfera. Francois Peglau desde la virtualidad y pacientemente fue asociando ingeniosamente piezas mínimas: filtros caseros que paseaban libremente por las colinas inglesas y remitían al hogar, superhéroes y serie B que cruzaban incansablemente el Atlántico, instrumentos delicados y frecuencias radiales casi olvidadas. Sueños, nostalgia, y un vinilo se habrá vuelto un archivo comprimido listo para descargar. El tiempo de los Fuckin ha concluido, y Francois aprovecha para hablarnos de ukeleles embriagados de roots, voces sesenteras desengañadas de escenas musicales glorificadas y de terapias sonoras para soportar la rutina. A partir de este momento, Londres, México y Lima están a la distancia de un clic.

¿Qué beneficios te ha dado la plataforma virtual? ¿Consideras que los blogs musicales benefician a la producción musical?

La plataforma virtual te permite llegar a todos los rincones del globo, sin la necesidad de intermediarios. Sin embargo, tampoco es la panacea. Uno tiene que ir haciendo poco a poco una presencia virtual. Y ahí es donde empiezan a tallar los blogs musicales. Los blogs tienen una audiencia específica que quieren conocer música nueva, y ese es el público objetivo de cualquier artista independiente.

De hecho tarda acceder a ellos. Yo tuve suerte con los blogs de Latinoamérica por mi pasado con los Fuckin Sombreros, pero con los americanos y europeos ha sido un trabajo más duro y recién está rindiendo frutos. Por ejemplo, hace unos meses de la nada el blog de música global de MTV (MTV Iggy) hizo una nota sobre mi música bien bacán, y eso me ha atraído muchos oyentes de todas partes del mundo.

Por ejemplo, justo hace unos días me escribió una persona que edita un blog en Australia y que le había mandado mis cosas hace 6 meses. Me contó que con toda la música que recibe recién había podido escuchar mis canciones y que le encantaba y que iba hacer un post sobre mí. ¡6 meses después de mandarle un e-mail! Por eso, en esta vaina uno tiene que tener piel dura y bastante paciencia, y tener en claro por qué uno hace lo que hace.

¿El formato del single (en el sentido de trabajar canción por canción) y la estética lo-fi fue una elección o una obligación de las circunstancias?

Un poco de los dos. Con el tema del formato single, cuando vine a Inglaterra corté por lo sano y deseché un montón de canciones que tenia guardadas porque ya no tenían sentido para mí. Lo que implicó un poco comenzar de cero y buscar un sonido, empezar a aprender cómo utilizar los programas de grabación (que todavía no domino, la verdad). Entonces agarré un método de trabajo de componer una canción, grabarla, hacerle un video y luego ir por otra canción. Me pareció más bonito trabajar de ese modo, ya que así uno le presta más atención a cada canción, le otorga su propio tiempo.

El formato lo-fi siempre me ha gustado. Es una reacción a la sobreproducción que se da en el mercado musical actual. Tiene calidez y para mí es un género simple y poco pretencioso.

¿Distingues algún eje o concepto que vincule a las canciones de esta etapa inglesa o se trata solo de temas sueltos que deben apreciarse independientemente?

Yo lo puedo ver, pero creo que es algo muy personal. Mucha gente conecta solo con algunas canciones y otros con todo. Personalmente creo que estas canciones reflejan lo que he vivido desde que me fui del Perú y mis rollos personales de siempre.

La idea del sencillo en sí es que lo veas como lo que es, es decir solo una canción, no parte de un gran todo. Si te gusta, vas por más, si no continúas tu camino.

De hecho que cada canción es una pequeña fotografía de un momento determinado. Por ejemplo, mi última canción, “Everybody Loves Me”, me encuentra en un estado cínico, ja ja ja…

Francois Peglau “Everybody Loves Me”

Incorporas arreglos de cuerdas e instrumentos como el ukelele en algunas de tus canciones, además de texturas electrónicas. ¿Simples coqueteos o te interesa seguir abordando esa diversidad sonora en el futuro?

A mí me gusta trabajar con canciones y no con géneros musicales. Si a la canción le va un ukelele, le metemos el ukelele. Eso no quiere decir que todas las canciones que haga van a tener ukelele sino que esa canción, a mí parecer funciona mejor con un ukelele. Lo mismo te podría decir de la electrónica o de meter un violín o una conga por algún lado. Son posibilidades al servicio de la canción y no al revés. Y si bien muchos pueden verlo como muy ecléctico, a mí eso es lo que interesa hacer ahora. No quiero estar estancado en un género determinado.

Justo ahora estaba pensando en hacer una canción tipo pop italiano de los 70. Bien kitsch. No sé si esa idea va a llegar a algo, pero ahora suena interesante.

¿Sientes más libertad creativa al momento de componer y producir la música o en el momento de grabar los videos?

Creo que ahora tengo libertad para las dos cosas ya que realmente no le rindo cuentas a nadie. Las únicas limitaciones que existen son las económicas y de tiempo. Yo no tengo presupuesto para grabar una orquesta o hacer un video con animación digital o con efectos especiales. Pero soy fiel creyente que las limitaciones juegan a tu favor y no en tu contra. Cuando no te lo dan todo, uno busca formas para lograr su objetivo, y transmitir lo que quiere. Las limitaciones son las mejores aliadas de la creatividad.

Entre otras influencias, en tu sonido se nota el legado musical de los sesenta ¿Radicar en Londres ha cambiado en algo tu percepción de esa época?

Entiendo que la gente encuentre un sonido sesentas por los efectos que le meto a las canciones, en especial a la voz. Yo empecé escuchando mucha música anglosajona (Beatles, Beach Boys, Vaselines, Rentals). Definitivamente esa es mi influencia primaria, y es algo que sería difícil renegar a estas alturas. Y me siento cómodo haciendo eso.

No puedo decir que vivir en Londres ha cambiado la percepción de los sesentas pero sí ha afectado mi opinión de la movida musical inglesa. Inglaterra me ha “desrockerizado”. La verdad es que de lejos uno idealiza Londres y su movida musical. Ya aquí de cerca, uno ve que hay muchas cosas que no son tan buenas y otras que sí lo son.

Definitivamente he visto a muchos artistas excelentes aquí, ingleses y extranjeros. Pero creo que lo que más me ha influenciado desde que estoy en Londres ha sido el descubrimiento de la música jamaiquina clásica. Yo sé que muchos no verán la conexión por la música que hago, pero por ejemplo el bajo de “One Minute To Midnight Dream (So Sad)” es un típico bajo reggae apurado por el ritmo de la canción. Eso jamás lo hubiera hecho antes.

En el extranjero cuándo escuchan tu nombre lo primero que deben pensar es que no eres peruano. Con pasaporte francés, cantando en inglés y viviendo en Londres ¿cómo ves la idea de globalidad e identidad en tu música?

Bueno, de hecho tengo un problema de identidad ja ja ja…También tengo pasaporte argentino por mi papá y viví algunos años ahí. Sin embargo, no importan los pasaportes o cartas de identidad que tenga, yo me siento peruano y en Perú está mi casa. Y creo que la idiosincrasia peruana se filtra por mi música, aun cuando no sea tan evidente a primera vista.

Londres es probablemente una de las ciudades más multiculturales del mundo. Por eso creo que ver a un peruano haciendo lo-fi pop en estas orillas no es tan raro. Creo que Londres es un buen lugar para abrir tus orejas a toda la música, arriesgarse y hacer tu propio sancochado. El pop no tiene fronteras ni nacionalidades.

¿Cuál ha sido la reacción de la gente que te conocía de la etapa en Los Fuckin Sombreros ante esta incursión como solista? ¿Sientes que son dos periodos completamente distintos?

Yo creo que a la mayoría les ha gustado. Entiendo que la reacción ha sido muy positiva, porque a mí parecer realmente no me he alejado mucho de lo que yo hacía en los Fuckin.

Sin embargo, los que veían a los Fuckin como una banda de rock and roll pueden que se sientan desilusionados, pero la verdad el rock puro nunca ha sido mi nota. Creo que el rock un poco se ha estancado, se ha convertido en un cliché, en un formato musical que se toma muy en serio a sí mismo, y eso para mí es el beso de muerte en cualquier forma de expresión artística. A mí me gusta lo que representa el rock, pero no el rock en sí mismo. O también puede ser que ya estoy viejo, y ya el rock no me dice nada.

Siento que lo que hago ahora, no lo hubiera podido hacer con los Fuckin, por distintas razones, por eso yo lo siento como periodos distintos. Pero creo que la mayor razón del quiebre es que me fui de Lima. Y no es que Lima sea un lugar horrible y terrible. Todo lo contrario, yo estaba muy cómodo ahí. El mudarme a Londres y ponerme en una situación de incomodidad, hizo que me replanteara todo.

Los Fuckin fue una etapa muy bacán donde aprendí mucho respecto a componer música, grabar y tocar en vivo. Pero la banda llegó hasta donde podía llegar y ya no tenía sentido continuar. Es horrible ver como muchas bandas continúan sin brújula en una muerte lenta, sobre todo en Lima, donde tocas techo muy rápido y de ahí no tienes dónde ir. Con Pipe siempre bromeamos que la mejor decisión comercial de los Fuckin fue separarse. ¡La banda es muchísimo más popular ahora que cuando estábamos juntos! Cada vez que nos juntamos para tocar en conciertos de reunión, la gente se pone loca. Eso no pasaba cuando la banda estaba tocando seguido, lo cual es un poco irónico.

¿Cómo ha sido la experiencia de tocar en México? ¿Te parece un circuito atractivo para difundir tu proyecto?

Muy buena. México tiene una movida musical que no tiene nada que envidiarle a nadie. Gracias a una mini gira que hice el año pasado pude conocer a muchos artistas súper buenos tipo Carla Morrison, Enjambre, Madame Recamier, Hello Seahorse!, Instituto Mexicano del Sonido, Andrea Balency, Torreblanca, Los Negretes… Y los mexicanos son súper abiertos a distintas propuestas, lo que me ha permitido hacerme un pequeño espacio y conseguir un público. Por eso estoy regresando a principios de mayo, para hacer cuatro conciertos.

También está en los planes ir a tocar a Buenos Aires y a Lima a mitad de este año. Y si todo sale bien, me voy al SXSW en Austin en el 2011.

¿Vinilo o mp3 320bpm?

Para mí lo más práctico es mp3. Me encantan los vinilos pero no tengo sitio en mi casa para guardarlos, ja ja. El futuro está en servicios como Spotify, donde puedes escuchar y acceder a todo disco editado en tu computadora, sin tener que downloadear nada. Como Bowie predijo, en el futuro, la música va ser como el servicio de cable o de agua, un commodity. De hecho se ha perdido un poco de la magia con la desaparición del disco físico, pero lo que se ha ganado con el acceso que se tiene ahora a la música es increíble.

Cinco discos para hacer más soportable el clima londinense

- Dent May & His Magnificent Ukulele / The Good Feeling Music of Dent May & His Magnificent Ukulele
- Avi Buffalo/ Avi Buffalo
- Fleetwood Mac / Rumours
- The Heptones / Fatty Fatty
- LCD Soundystem / Sound of Silver

Cinco discos para no morir en el tránsito limeño

- Neon Indian / Psychic Chasms
- Carla Morrison / Aprendiendo a Aprender
- YACHT / See Mystery Lights
- Arena Hash / El Rey del Ah Ah Ah
- Willie Colón / El Malo

Francois Peglau “God and the Unconscious Want Me Dead”

Habiendo adelantado en su MySpace algunas canciones de lo que será su próximo disco Tierra, trágalos, aprovechamos la coyuntura para lanzar el siguiente cuestionario a Alejandro, el artífice de este entrañable proyecto. Enarbolando la religión de la ironía y la pasión por la música responde a nuestras inquietudes.

En su música se nota un gran bagaje musical, con qué grupo(s) o disco(s) comenzaron su enfermedad melómana.
Yo fundamentalmente con The Beatles a las puertas de la adolescencia, y de una manera apasionada y enfermiza. Como si viviera en esos años mi propia década de los sesenta. Y Elvis Presley y los Beach Boys. Y la música clásica, aunque cuando era muy pequeñajo lo que más me ponía eran los valses de Johann Strauss hijo, que son muy ligeritos. Marina dice que sus primeros años se los pasó oyendo en el coche las cintas de mezclas que se hacía su padre (Bob Dylan, Neil Young y otros señores americanos de su gusto) pero que lo que realmente le gustaba era la cinta de la tuna de su niñera.

¿Es más excitante para uds. fijarse en un espacio indeterminado y heterodoxo? El collage sonoro de Tu hoguera está ardiendo, así lo sugiere. ¿Prefieren moverse tranquilamente en la periferia del eclecticismo a ser un grupo de shoegaze purista o un acto folkie?
Supongo que la esencia de este proyecto es satisfacer deseos más que buscar un género o estilo y explotarlo. Eso también está muy bien, y no sabemos qué pasará en el futuro, pero por ahora nos divierte jugar con todo lo que cabe dentro de la “música popular”, o como se quiera llamar.
Imagino que con tanta propuesta concreta, puede caber también quien pretenda jugar lúdicamente con la totalidad, o al menos con las partes que interesen en un momento dado. Aunque seguro que eso también acaba conformando un estilo o un modo de hacer las cosas (que de algún modo también tenemos).

Alejandro compone y produce el material de K&K, ha sido descrito por Marina como un maniático del control. ¿Allí debemos ver la influencia de Kevin Shields y Brian Wilson?
No, son modos de trabajar. Si estos señores se comportan así (y son gente que admiro) será consecuencia de su personalidad, su talento, su ideario artístico o su insalubridad mental.

¿Confiarías para un próximo disco en un productor externo?
Según qué parcela de trabajo ocupase. En lo referente a sonido en general sí que podría trabajar con alguien, si se adaptara a las intenciones (aunque eso no es exactamente un productor, sino un ingeniero de sonido con mayor responsabilidad artística), incluso a la parte más rítmica. Pero en cuanto a la elección de arreglos, a la parte musical, supongo que no. Por decirlo de algún modo, podría confiar todo lo técnico (aún más, porque eso no significa que ahora no se haga) pero por ahora no lo estrictamente musical, al menos no la decisión final.

¿Entre todas las etiquetas que les ha adjudicado la crítica, costumbrismo pop es la que más se acerca a describir su proyecto?
La verdad es que no entiendo muy bien qué significa eso… Si por costumbrismo se entiende el escribir acerca de escenas de la vida cotidiana… no, porque todo el casi pop cabe en eso, y además no vamos por ahí. Si se refiere a tomar elementos folclóricos…tampoco, pues sería sólo en parte y más bien como expresiones de uso común. Es sólo una manera de expresarse que puedes sentir más cercana que, por ejemplo, cantar en inglés. Yo nunca digo oh yeah pero si alguien estornuda digo Jesús. Y no soy religioso.

¿Cuánto marca Murcia a K&K? ¿Podrían definir que es la murciandad?
Uno no sabe decir en qué, pero de algún modo tu carácter y tu modo de ver las cosas algo estarán condicionados por donde vives. Aunque tampoco tanto. Nos preguntan mucho por Murcia desde siempre y no entiendo por qué. Imagino que desde fuera mucha gente ve Murcia como un sitio tremendo y bizarro. Es una ciudad relativamente grande pero con poca proyección mediática a nivel nacional, y está bastante manoseado el cliché de murciano paleto, especialmente en televisión. Aunque a nivel cultural suceden bastantes cosas aquí.
Respecto a la murciandad, no sé qué decir, no creo en roles locales o nacionales o culturales.

Aunque se presentan como grupo, se piensa en Klaus & Kinski como dúo. En esa dinámica que tiende a las disputas y las pugnas propias de una pareja, con que dupla celebre se sienten más próximos: Serge Gainsbourg y Jane Birkin, Lee Hazlewood y Nancy Sinatra o Sonny y Cher.
Albano y Romina, Bogart y Bacall, Adolfo y Eva, Napoleón y Josefina, Isabel y Fernando.

¿Klaus & Kinski es un grupo maquetero o marketero?
Antes supongo que lo primero, pero porque en nuestra configuración genética los genes que posibilitan la competitividad y que te obligan a depredar en el hábitat mercantil no están muy desarrollados. Así que desde un punto de vista darwiniano nuestra especie está condenada a extinguirse.

¿Lo de Marina en sus actuaciones en directo, es mal humor ancestral o timidez compulsiva?
Timidez nerviosa. De mal humor de verdad casi nunca se pone allá arriba, salvo ocasiones contadas.

En sus letras se ocupan de seres macabros y que suelen caminar por los senderos de azufre (Mengele o Franco), ¿son más interesantes y sugerentes este tipo de personajes para dedicarles una canción pop? ¿Podríamos esperar en el futuro de K&K una ranchera o polka consagrada al KKK?
No es mala idea, aunque aún nos quedaría un amplio repertorio de maravillosos tiranos y asesinos por glorificar.
Es que los personajes oscuros son interesantes desde un punto de vista literario, y el utilizar hechos o anécdotas históricas como excusa poética, como símbolo o metáfora, es un recurso que se adapta bien al formato de canción.

¿Sienten incomprensión en el apartado de las letras? ¿Sería su oyente ideal aquel que no les diga que están obsesionados con la religión por las menciones a santos que figuran en sus canciones?
A veces. Poca gente que te pregunta por las letras se da cuenta que no hay ni un sólo tema en ese disco que hable de religión, al menos por ahora. Son sólo expresiones y dichos populares, o anécdotas históricas, o juegos de palabras. Todo superficial.Pero cuando se mencionan esas referencias no se habla de religión, igual que no hablo de religión cuando digo Jesús cuando estornudas. Aunque la religión puede ser un buen tema para escribir.

¿Alejandro se enamoró a primera escucha de la voz de Marina? ¿cuánto determina ella la propuesta de K&K?
Obviamente me gustó mucho su timbre de voz, y sobre ello se edifica el trabajo, pues todo está pensado sobre el efecto que luego produce una voz dulce y lánguida. La verdad es que esa es la clave que posibilita el eclecticismo, y jugamos con ello. La música la puedes llevar a extremos dispares pues la voz de Marina se encargará de homogeneizarlo todo.

Participaron en un festival en Suecia junto a Cristina Rosenvinge, qué tal la experiencia de tocar por primera vez fuera de España.
La verdad es que estuvimos fuera sólo una par de días. En ese sentido no fue muy distinto de lo habitual. Apenas puedes llevarte equipo (por los aviones y el maldito estrés que producen), y vas de prestado en casi todo. Supongo que para el público sueco todo era de un exotismo y una extrañeza inquietante (aparte de nosotros y Cristina también estaban Hidrogenesse).

Se habla de la riqueza y economía del inglés, de una mayor capacidad de sugerencia. ¿Cantar en español es una afirmación cultural?
Lo que menos. Es que sería incapaz de escribir en inglés por vergüenza. Si me cuesta hacerlo en castellano, entiendo que en inglés no conseguiría una mínima calidad. Es como si eligiera para hacerme músico como principal instrumento uno con el que sólo jugueteo, en vez del que llevo estudiando desde años. Me gusta mucha gente española que canta en inglés, y mucha pronuncia y escribe bien. Pero no puedo evitar pensar que para otra mucha es un recurso fácil y se disimulan cosas que en castellano sonarían sonrojantes.

¿Klaus & Kinski es un grupo de stand up comedy frustado?
Bueno, Marina se pone muy nerviosa y dice que no piensa lo que habla… Luego, cuando acaba la actuación, siempre dice arrepentirse mucho de todo y que no va a volver a decir jamás una palabra por el micro… Luego nos reímos con las meteduras de pata y a la siguiente ocasión vuelve a decir lo que se le ocurre.

¿Tierra trágalos, el título de su segundo disco está dedicado a los que tildaron a Alejandro de fascista, apologista de la muerte y de obeso obsesionado compulsivamente con el sexo? ¿El público indie español ha sufrido una especie de hipo en su sentido del humor?
No, es sólo un lema que puedes aplicar a discreción, cuando apetezca y convenga. Todo eso que supones que se dice sería mucha mejor si fuese real, porque así sería un personaje más interesante.
La gente en general entiende la ironía, aunque a veces lo entiendan todo demasiado literalmente.

Sr. Chinarro, Los Planetas y La Bien Querida coquetean en sus obras en mayor o menor medida con el cancionero tradicional español ¿se viene un próximo Romancero de parte de uds.?
No, pero apreciamos que se valore y use un sustrato cultural propio, perfectamente compatible con el rock. A estas alturas el rock es patrimonio mundial, no anglosajón, pero es muuuy pesado el repetir una y otra vez el molde inglés y americano (y nosotros somos los primeros en hacerlo). Es una afirmación de seguridad y de sacudirse complejos el, como mínimo, escarbar en tu propia herencia cultural. A nosotros no nos dice nada el “swinging London”, no hemos vivido allí ni es nuestro mundo (a pesar de que Marina es hija de inglesa). Pero yo por ejemplo tocaba de chavalín en un grupo folclórico de coros y danzas.

Teniendo predisposición por tocar versiones en sus directos, ¿qué canción de MBV jamás tocarían por temor a enviar a toda la audiencia a la enfermería?
Ninguna, podríamos tocar cualquiera pero muy bajito, sin distorsión y con guitarra española y acordeón.

¿Cambian mucho las canciones después de su participación constante en festivales o el plus de esas presentaciones está en el backstage?
Cambia nuestra cara, cuando vuelves un domingo tarde a casa y el lunes hay que levantarse para trabajar.

Luego de dos años dedicados a los estudios, la sorprendente cantautora retoma su faceta musical y en esta y en las posteriores presentaciones que tiene pactadas para marzo, repasará Emilio (2005) y su secuela, apodada N (2008), a falta de un título formal. Confluirán pues por vez primera sobre los escenarios limeños, las intensas y melancólicas melodías del primero y las complejas composiciones que convirtieron a ese segundo y poco difundido CD en objeto de asombro y culto. A la vez, ya prepara un nuevo disco, que, para no perder la costumbre, parece que será distinto al anterior.

Entrevista Fidel Gutiérrez M.

Sacaste tu segundo disco a fines del 2008. ¿Aún te sientes metida en él o ya estás componiendo nuevas canciones?
Desde hace un tiempo estoy con lo del tercer disco; pero los ensayos que estoy teniendo para los conciertos que se vienen me han hecho volver a vivir de otra forma el tanto este como el anterior disco, porque ahora estoy tocando con una banda que conseguí a partir de un casting.

Eso fue el año pasado, ¿no? Recuerdo que la palabra que usaste fue “concurso” y no “casting”.
Sí. Vino muy poca gente, pero los que se quedaron están muy bien; ninguno es divo. Es una cosa muy rara… Con eso he vuelto de alguna manera a los discos anteriores, y tengo que hacerlo para que los conciertos tengan sentido. Pero mi cabeza ya está en el tercer disco. Desde hace un año estoy componiendo temas y creo que lo que salga será de algún modo, por momentos, mucho más simple que el segundo, pero (piensa)… No sé si el segundo puede ser más conchudo que el primero y el primero más simple que el segundo…

Para el oyente de hecho que el segundo es mucho menos simple que Emilio. Sus temas tienen muchos movimientos distintos dentro de sus estructuras. Y también usas más instrumentos.
Eso tuvo que ver con todo lo que yo llevaba en la cabeza en ese momento. El segundo disco es mucho más fuerte y con diversos ambientes, y más uso de batería y guitarra. Pero el tercero probablemente no tenga ni batería ni bajo ni guitarra, salvo en un par de temas.

¿Por qué?
No lo sé. Creo que esa energía que me dio para el segundo disco ya bajó.

Entonces, ¿retornará el predominio de tu piano?
Será más simple, pero no más debilucho. Tendrá la fuerza del segundo, solo que sin la guitarra o la batería.

En N participaron más músicos que en Emilio. ¿Hubo momentos de creación colectiva o tú llevabas las ideas definidas al estudio?
Fue como en el primero. Ya tenía las ideas definidas. Algunas cosas se fueron dando en el estudio… A veces les digo a los músicos que participen libremente, pero en general todo este proyecto sigue siendo personal.

En un par de temas del segundo disco (“Some Day the Lake Will Come to Me” y “Waltz for an Albatross”) se nota presencia del metal pesado. Incluso hay quien ha escrito que en ese disco te acercaste al metal progresivo. ¿Fue algo intencional?
Puede ser. Hay algunas cosas del metal que me gustan, pero la mayoría no; pero supongo que si quería ir hacia la fuerza tenía que llegar a lo que sí me gusta de ese estilo, que es cierto tipo de batería y de guitarra, pero no el rock pesado como tal… Pero son cosas que se me dieron en ese momento.

¿A qué crees que se debió?
Quizás porque cuando salió el primer disco me dijeron mucho que tenía una influencia medio caleta del doom metal me animé a escuchar un poco de eso. Nunca había escuchado ese estilo. Quizás algunas cosas se me quedaron… Pero no escucho mucho eso. Pueden haber sido dos o tres temas los que más influyeron, pero no un disco entero. No escucho mucho el metal. Me desgasta.

¿Y en tus nuevos temas mantienes la característica de no cantar en español?
Sí. Incluso estoy usando más un idioma inventado, el machtechense, que utilicé un poco en el primer disco y más en el segundo…Es que creo que ya perdí todas las ganas de decir algo concreto en la música… Pero lo del inglés es porque sonoramente se emparentaba más con lo que hacía. No era por usar un determinado idioma. El español todavía me resulta muy de balada. Hay algo muy seco en él. No tiene la fluidez de sonido que siento en el inglés.

Esto de crearte un idioma propio ¿a qué responde? ¿Quizás a hacer una realidad propia, ajena a esta?
Siempre he jugado con los idiomas de esa forma, sin pensar mucho en por qué. Si lo pienso mucho, veo que todo tipo de letra llega en algún momento a ser pobre, incluso la mejor escrita. No llega a cubrir las cosas que quiero o, peor aún, a no interesarme; y me parece que inventar un idioma es más que nada inventar sonidos, y eso me permite meterlo como un instrumento más en la música. Me sirve para… No se qué pensará la gente respecto a mi música, pero yo me estoy divirtiendo mucho con lo que hago (risas). Tal vez no doy esa imagen.

El concepto de diversión no está asociado para nada con tu música.
Es todo lo contrario, pero la paso muy bien.

La gente que se interesa por tu música ¿qué no tendría que esperar de ella? Es un hecho que muchos quieren saber de qué estás cantando, pero en el segundo disco, a diferencia de Emilio, ni siquiera pusiste las letras de las canciones.
Ni siquiera le puse título. La “N” sale porque estaba obligada a poner algo… Hay una idea que tiene la mayoría sobre la expresión de sentimientos. En base a ella se identifican con tal o cual cosa, y yo no voy mucho por ese lado. No busco ser expresiva. Me dicen que lo que hago es muy hermético. De algún modo es así adrede pero también tiene que ver con cómo soy. Entonces, puede ser que con el machtechense o que con que el tipo de música que hago me esté blindando. No estoy buscando que alguien me diga que se identifica con lo mío. Tal vez porque no suelo andar con mucha gente es que esta idea del emparentamiento con lo que escuchas no tiene sentido para mi. Lo mío no es buscar sentimientos y experiencias con las que te puedas identificar. Es muy frío en ese sentido y soy consciente de ello. Lo que me perturba es que la gente confunda frío con deshonestidad. A veces pasa, aunque ese criterio de la honestidad es muy ambiguo y no debería usarse en la música.

Entonces ¿eres del tipo de artista que no tiene en mente a quienes terminarán siendo los destinatarios de su obra?
Sí, porque si uno se fija en las letras, el destinatario soy yo misma. Pueden decir que soy egoísta y ególatra, y puede que lo sea, pero ya no puedo salir de eso, ni lo intento porque no podría. No me dirijo a nadie, ni siquiera a un tema en particular. Es un soliloquio personal el de mi música.

¿Es también por eso que supimos poco de ti durante un buen tiempo? Incluso para ubicar tu segundo disco, había más dificultades que con Emilio, y uno tenía que estar preguntando a los amigos y haciendo un rastreo detectivesco para conseguirlo.
(Ríe) No, eso no es parte de mi proyecto. Lo que pasa es que, como estuve afuera, no tenía gente. Así como manejo directamente todo lo de mi música, no tengo gente a la que pueda pedirle distribuir el disco, y tampoco me gusta pedir ese tipo de favores. Cuando llegué a Lima, la pereza me ganó. Además, ciertas tiendas me pidieron algunos requisitos, como que les deje un disco de prueba porque no me conocían. Les dije que ellos habían vendido el primero. Pero respondían que en el primero yo era “Luna” y que ahora era “Natasha Luna”… No entendí muy bien y eso hizo que disminuyera mi interés en distribuirlo.

Esas tiendas están peores que las radios de Lima… Cuando estuviste en Francia ¿pudiste mostrar tu música?
No. En realidad mantuve ese aspecto cerrado, como parece que mantengo todo… Fui a La Sorbona estudiar dos años una maestría de mi carrera, filosofía, y cuando me preguntaban que hacía, eso era lo que mencionaba. Es como cuando conozco a alguien: jamás le digo que hago música. Quise mantenerlo así. Debe ser por eso que ahora tengo necesidad de hacer conciertos. Antes no los tenía para nada porque vivía muy encerrada en lo académico… Ciertamente debí aprovecharlo allá, porque en París hay más cosas y tenía más salidas, aunque no tantas. Cuando en algún momento intenté hacerlo me dijeron que si mi música tenía éxito en Francia sería porque estaba muy mal.

¿Por qué te decían eso?
Puede haber buena música, pero es muy, muy caleta. Incluso lo que acá nos gusta, el indie pop y lo electrónico, no es muy abierto. Allá siguen sonando las baladas –malísimas, como las latinoamericanas- reggae y rap francés; aunque hay algunas cosas del rap de allá que valen la pena; pero no más. Y los conciertos… Por ejemplo, fui a uno de Nick Cave en un lugar pequeño, y no estaba lleno…. No soy de meterme a investigar mucho en la música, pero me pareció que el panorama, tal cual lo veía, no era muy propicio.

¿En qué artista te ves reflejada, más allá de que quienes te siguen te vinculen con el doom metal o con el indie?
No sé… Quizás por mi falta de educación musical, nunca puedo ponerme en la situación de querer sonar como alguien. Para hacerlo hay que dominar la teoría…. Mi hermano me hizo escuchar desde que tenía diez años The Smiths; entonces eso es algo que tengo muy fuerte en mi; pero no los escucho cuando me escucho. Escucho más a algunos temas de Nick Cave o a ciertas cantantes mujeres. En el segundo disco hay cierta influencia que evidencia mi pequeña adoración a Black Sabbath. Alguna nota o alguna cosa. No se ve claramente, pero por lo menos en un tema (“Someday the Lake Will Come to Me”) la introducción es una guitarra que ha sido resultado de haber estado escuchándolos…. Y sí hay cierta fibra oscura como la de algunos grupos dark, pero muy elegante; no exagerada ni plástica.

Me llamó la atención que tu segundo disco haya sido tomado más en cuenta por páginas web y blogs de música dark. Me parece singular porque en la época de Emilio los más interesados eran los indie poppers. Ahora lo son quienes están en otro ámbito, pese a que no eres de ir a locales “góticos” o a vestirte de esa forma.
(Ríe) ¡Para nada! No puedo meterme en eso del maquillaje…Cuando salió el segundo disco, decía como broma que lo había hecho así para que no crean que soy indie. No era eso obviamente, aunque tampoco me sentía cómoda así. Pero en esa época ya había gente que venía a los conciertos con sus polos metaleros. Supongo que en el primero ya había cierta fibra que los llamaba…

Y tocarás con Dolores Delirio, que tiene un público muy diverso pero también raíces en lo dark.
Si. Estuve viendo su página hoy y los veía con unas pintas muy bonitas (risas)… Para mi es muy raro esto, porque todas esas cosas que dicen que me influencian -el metal, lo indie, lo gótico- generalmente te hacen ser parte de un grupo, y yo vengo de un medio académico en el que cada uno va por su propio lado. Por eso no podría nunca sentirme parte de algo. Pero mejor que sea así. Así no me reclaman nada cuando mis temas no son lo suficientemente metal o lo suficientemente oscuros. Ya asumí la libertad de hacer lo que quiero.

Eso también te da la libertad de moverte entre diferentes grupos de gente. Sueles cantar un tema de Saicos con Los Protones, que hacen garage rock.
Claro. Ellos no tienen nada que ver con lo que hago, y me divierto mucho escuchándolos y estando con ellos. Vamos a tocar pronto en La Casa del Auxilio, cantando más covers, además del de los Saicos (“Come On”).

¿También de grupos de rock peruano antiguos?
Sí. Antes no tenía mucha conciencia del rock peruano y con esto me ha dado muchas ganas de conocer más y hasta me he estado comunicando con algunos miembros de los Saicos… Pero escucho de todo. En mi MP3 tengo a James al lado de un grupo de metal noruego, por ejemplo.

¿Cuáles serán los próximos movimientos tuyos y de la banda?
Primero tenemos esto de Vocé, el jueves, con Dolores Delirio, y el 4 de marzo habrá un concierto en La Noche. Es posible que haya otro ese mes en el Centro Cultural Español.

¡Qué bueno! Era un poco difícil verte en vivo antes y saber en qué andabas.
Pero ahora no. No me quedo con la idea de no querer ver a nadie. Actualmente no veo a mucha gente pero eso no quiere decir que sea inaccesible. En el Facebook acepto a todo el mundo y respondo preguntas que no tendría por qué responder. Es parte de todo este periodo de hacer conciertos.

¿Y sigues enseñando en la universidad?
Antes de viajar estaba en la Católica. Ahora voy a dictar en la Ruiz de Montoya un curso sobre mi tesis, “Heidegger y el origen de la obra de arte”… De verdad este está siendo un año extraño para mi.

¿Por qué colocaste en la contraportada del disco a dos animalitos muy tiernos? Eso contrasta con la atmósfera que uno siente al escucharlo, pero también con el ratoncito solitario que aparecía en la contraportada de Emilio.
Lo oscuro no lo llevo per se, sino que es parte de mi imaginario, pero también me gusta el imaginario infantil. Puedo ver dibujos o películas como las de Harry Potter y no tengo vergüenza de eso porque no me he identificado con lo oscuro. En el primer disco, el ratón fue una forma consciente de decir que no quería que me etiqueten. Y en el segundo disco fue también jugar con eso.

¿Esa imagen no tiene algún simbolismo destinado a que uno mate el rato buscándole algún significado? Insisto: ¿por qué ahora hay dos animalitos juntos y no solo uno como en el primer disco?
No hay eso… En el nuevo disco es posible que haya un tema llamado “La Noche de los Caracoles Muertos”. La idea se me dio cuando una noche, en París, encontré varios caracoles en el pasadizo del lugar en que vivía. Seguramente la temperatura del lugar los había hecho salir. Entonces, en esta canción se juntan el lado oscuro, pero también el imaginario infantil, representado por estos animalitos.

Es el grupo mexicano que más británico suena y el que mayor éxito ha tenido durante esta década en su país. Desde que en 2001 editaran su primer disco, los miembros del grupo Zoé han mostrado que sus pretensiones creativas y sus ambiciones no son minúsculas.

Tras un primer disco (Zoé) de variedad casi esquizofrénica (en el que convivían la onda “madchester”, trip hop, northern soul, rock sicodélico y, en general, casi todo el catálogo del pop británico de los años 90), el quinteto empezó a definir su propia personalidad, sin dejar de rendir cuentas a sus principales influencias.

Rocanlover, lanzado en 2003, fue su primer gran hito. Una canción como “Veneno” pagaba con creces el precio de un disco de sonido más directo y cuajado, desprovisto de adornos efectistas. Sería el último que grabarían para un sello multinacional, antes de pasar a la independiente Noiselab y de obtener en 2005 un inesperado éxito de ventas con el EP The Room, que se prolongaría con el estupendo Memo Rex Commander y el Corazón Atómico de la Vía Láctea.

La confirmación de su impensada (se trata, finalmente, de una banda de indie rock en un país latinoamericano) masividad, se dio con la tremenda convocatoria de su concierto de celebración por sus diez años de existencia. El show fue inmortalizado en el CD / DVD 281107, de idéntico éxito de ventas.

Con el disco Reptilectric, editado el año pasado, el quinteto confirmó que la fama no ha devaluado su propuesta artística. El tema título, y singles melódicos como “Nada” o “Poli”, difundidos incesantemente por los canales musicales de televisión por cable, son solo una muestra de las diversas facetas de la banda. Una de ellas es la de la exploración sónica, desplegada con mayor énfasis en Reptilectric Revisitado; editado hace poco, en el que grandes de diversos países, como Mad Professor, Colder, Sebastien Tellier y Pánico, rehacen sus canciones.

Es en medio de este buen momento creativo y comercial que Zoé visitará Lima. Su esperado concierto, programado para el jueves 10 de diciembre en la discoteca Vocé, de Lince, sirvió de oportuno pretexto para conversar con su guitarrista, Sergio Acosta, y así saber más de ellos.

Entrevista Fidel Gutiérrez

La mayoría de grupos mexicanos que son populares en Perú suelen introducir elementos propios de la música de tu país. Parece que ese no es el caso de Zoé ¿o no hemos reparado en ello aún?
Creo que te refieres a una generación de bandas anterior, donde había más referentes musicales y geográficos de la mexicanidad. Pero en nosotros no hay eso. No es planeado. Partimos de una música que es la que nos sale y nace. Es un rock más universal. Crecimos oyendo mucha más música inglesa que mexicana. Sí escuchamos a Caifanes [Saúl Hernández participó en la canción “Electricidad”, de su primer disco], o a bandas de afuera como Soda Stereo, pero somos parte de una generación que está haciendo música más universal. Hay muchas bandas muy interesantes y en ellas ves lo mismo que te digo: no tienen mexicanismos a la hora de hacer música, y eso es algo que ha enriquecido mucho a la escena nacional, porque se están haciendo cosas muy diversas, que no tienen necesariamente que ver con elementos folclóricos. Pero finalmente somos mexicanos y eso de alguna manera debe expresarse en la música.

¿Conoces algo de la música que se hace en Perú?
A lo mejor he escuchado algo más folclórico, pero de rock no. Algo sé sobre Libido, pero muy poco. Sé quiénes son porque estuvimos en el mismo sello, Sony, pero no los he escuchado.

En el disco Reptilectric vemos una estética que remite a lo maya, y hay canciones de desolación y pesimismo. ¿Algo tiene eso que ver con esos temores a las profecías sobre el “fin del mundo”, y el rollo del año 2012 que tan de moda está?
El nombre del disco apareció cuando León Larregui, el cantante, estaba investigando sobre dragones en internet y salió tal cual. En la gráfica del disco también puedes ver la forma de un dragón, y para la canción que le da título lo primero que tuvimos fue el nombre, antes de la música. Era como una guía abstracta, pero la letra sí se refiere al regreso de Quetzalcóatl. Hasta ahí no más llega la cosa. No tiene que ver con lo del fin del mundo

Me refería a letras como las de como “Neandertal” o “Nada” que transmiten pesimismo, aunque finalmente las letras de ustedes siempre han sido bastante metafóricas ¿no?
Sí. León siempre ha escrito de esa manera y por eso es que sus canciones se prestan a varias interpretaciones. En el caso de “Neandertal”, lo que menciona es a los personajes oscuros que están al mando o encargados de las corporaciones, los gobiernos y de todo lo que rige negativamente al mundo, a la economía y a todo.

Y ya que hablamos de significados. ¿De dónde salió el nombre del grupo?
Lo sacamos de una amiga, la hermana de mi novia. Nos gustó porque era un nombre corto y porque nos gustaba la connotación femenina que tiene.

¿Las letras de las canciones que León hace son lo primero que tienen en cuenta para componer, o se basan más en las armonías y música para ello?
Las letras siempre van al final. Empezamos con una línea melódica y después, en la última etapa, León las trabaja muchísimo. Siempre lleva un cuaderno donde escribe y reescribe las letras. Hace un trabajo muy intenso, te lo puedo asegurar. Hace un trabajo con mucha dedicación. Pero es la línea melódica la que va definiendo la letra.

¿Reconoces alguna influencia concreta en el sonido de tu guitarra? Lo que siento es que buscas ciertas sonoridades sicodélicas.
Entre mis primeras influencias están George Harrison y David Gilmour. En los 90 los que me influenciaron mucho fueron Johnny Marr y Graham Coxon, pero creo que tengo también mucha influencia del dub jamaiquino. Eso está en el diseño de delays y los ecos que lo hago, no solo para la guitarra sino también para los teclados, cuando estamos produciendo.

Zoé ha tenido tres bateristas hasta el momento. ¿Sufren del síndrome Spinal Tap?
No (ríe). Nuestro primer baterista, Beto Cabrera, que inicio la banda con nosotros e hizo los dos primeros álbumes, en un momento de su vida se enamoró de una francesa y se fue a vivir a París. Dejó todo por amor, incluido Zoé. Después nos tardamos en encontrar a un baterista. No queríamos a un invitado, sino a alguien que formara parte de la familia, y tomó tiempo. Y cuando llegó Rodrigo Guardiola, también se tomó su tiempo para decidir si se unía a nosotros. Pero sabíamos que él sí podía ser el quinto integrante. Los que hubo al medio fueron transitorios en realidad.

El inglés Phil Vinall [productor de discos de Placebo y Television Personalities, entre otros grupos británicos] les ha producido casi todos sus discos. Parecería que ya fuera también parte del grupo, ¿no? ¿Cómo lo conocieron?
Los contactamos en la época en que EMI nos “corrió”. Firmamos un primer contrato con ellos pero no llegamos a grabar nada. Nos quedamos sin disquera y decidimos hacer un álbum que un amigo financió. Estando los tracks listos, me preguntaba por qué teníamos que mezclarlo con un ingeniero de acá…

¿No había algún productor mexicanos que los convenciera?
Los que conocíamos eran gente de la vieja escuela, un poco dictatoriales, que no te dejaba opinar. Había grabado demos con algunos. Era un proceso aburrido y hasta represivo. En ese momento retomé los emails de los productores en los que estuvimos pensando cuando EMI nos contrató, y les escribí a varios, entre ellos a Phil, y él nos contestó de muy buena onda, dándole una muy buena lectura a lo que le mandamos. Le dijimos que prácticamente no teníamos dinero, y nos dijo que consiguiéramos lo que pudiéramos y que vayamos a Londres a mezclar con él. Desde allí hay una buena relación, que ya trascendió lo técnico. El tiene una formación técnica e inglesa; muy rigurosa, pero también trabaja con la intuición y el oído. Nos dice “no miren las agujas, sino escuchen”. Se ha vuelto nuestro maestro. Siempre coproducimos y él mezcla.

Parece que tienen buenas relaciones con los británicos. ¿Cómo es que Tim Burgess, de The Charlatans, llegó a cantar en “Corazón Atómico”, de su anterior disco?
En dos oportunidades me invitaron a mezclar en unas fiestas, como DJ, y el mezclaba después de mi. Lo conocí y hubo muy buena onda. Cuando a él le tocaba me dijo que me quedara para conversar e ir poniendo canciones juntos. Después, cuando llegó el momento de grabar el disco, le escribí y le dije para que participara. Aceptó. Lo llevamos desde Los Angeles a El Paso, donde estábamos haciendo el disco. Llegó y se quedó dos días.

¿Fue algo parecido lo que ocurrió con Nick McCarthy, el guitarrista de Franz Ferdinand, que toca en “Nada”, del disco Reptilectric?
Fue también una circunstancia interesante, porque un pintor irlandés cuya esposa es muy amiga de mi mamá me dijo que fuera a comer a su casa para que conociera a alguien cuyo nombre no me quiso decir. Era Nick. Lo conocían porque su novia conocía a este pintor irlandés. Nos caímos bien. Más adelante me invitó al show de su grupo, cuando estuvieron acá; luego él volvió con su mujer de vacaciones al DF y nos vimos. En ese momento teníamos dos shows en el Palacio de los Deportes. Estábamos de gira con Gustavo Cerati y Los Tres, y le dije que tocara con nosotros. Ensayamos e hicimos “Human Space Volt” (de Memo Rex Commander). Fue un lujo, porque es un guitarrista espectacular. Seguimos en contacto. Le escribí para que participara en Reptilectric y toca en “Nada”, y ahora ha hecho su versión de esa canción.

¿Qué versión de Reptilectric Revisitado fue la que te dejó más sorprendido?
¿Qué? ¿Ya consiguieron el disco por allá? [al momento de esta conversación, el disco tenía menos de cinco días en las calles]

Sí. Todavía en copia, pero ya lo tenemos.
¡Qué bueno! Ese fue un proyecto mío. Soy el productor del disco. Todos somos muy melómanos en la banda, pero yo lo soy más, y además tenía muchas ganas de hacer un disco así desde Memorex Commander, pero no hubo la oportunidad. Lo que buscaba más que nada era un disco de reversiones, no de remixes para la pista de baile. Entonces busqué artistas muy específicos para temas muy específicos. Desde el principio ya veía qué artista podría hacer tal tema, más allá de limitarse a sacar un riff convencional… Hay un par que sí pueden servir para bailar, pero hay otros que llegan a ser un cover. Hay muchos que me gustan muchisímo. Te puedo mencionar tres: “Sombras”, que hizo Yamil Recz, que es mi productor favorito en México; “Nada”, de Nick McCarthy, y el de Hello Seahorse! (“Luna”) que es otra banda mexicana.

Me sorprendió encontrar gente de mucho peso participando, como Mad Professor o Colder. ¿Cómo se contactaron con ellos?
Bueno, a Mad Professor lo admiro desde hace muchísimos años. Lo conocí en el disco que hizo para Massive Attack, No Protection, que es precisamente un referente, porque discos como ese me dieron la idea de hacer un disco reinterpretado. A él lo conseguí a través de la disquera, y a Colder a través de Damián Romero, un amigo que es coproductor del disco, y que es DJ y promotor de shows en México. Él ha traído al DF a gente muy interesante, como Colder, Schneider TM o Pánico. Me asocié con él y lo invité porque tenía contacto con ellos.

Varias de estas reversiones enfatizan los elementos electrónicos que tiene la música de Zoé y que en las versiones originales aparecen más como arreglos que como elementos predominantes. Como guitarrista, ¿cómo te llevas con la electrónica?
Desde hace un tiempo a todos nos interesó la música electrónica, pero más cuando empezamos a conocer a bandas como Massive Attack, Portishead o los Chemical Brothers, que de alguna manera asociaban los elementos y recursos electrónicos al rock. Para mí los Chemical Brothers definitivamente es una banda que más tiene que ver con el rock que con la electrónica de rave, que a mí no me gusta para nada. No me agrada lo que hacen famosos como Paul Van Dyke. Esa onda psychedelic trance no me interesa para nada. Me interesa la electrónica más propositiva; más ligada a la canción o al lado pop, como Schneider TM, por ejemplo.

¿Qué pueden esperar sus seguidores de su show en Lima?
Además de nuestras canciones, tenemos un trabajo visual bastante interesante y elaborado, que es hecho por Gabo Cruz Riva, quien dirigió 281107, nuestro DVD en vivo, junto a Rodrigo Guardiola. Pero no estoy seguro que vaya a ir con nosotros esta vez, porque como es una primera visita, a lo mejor no alcanza el dinero como para llevar a todo el staff… Yo espero que sí lo podamos llevar porque todo ese trabajo complementa muy bien al show. Tenemos una gran emoción e ilusión de por fin ir a tocar a Perú. Visitar otros países y que los discos se editen afuera es algo que nos ha costado mucho lograr. Lo hemos tomado muy en serio, y es algo a lo que le vamos a dedicar mucho el año que entra. Es importante ir y volver a ir, porque Zoé es una banda que en México conquistó a la gente con sus shows en vivo.

Por Fidel M. Gutiérrez

Cuatro gringos y dos franceses haciendo cumbia peruana en un bar de Brooklyn. La escena se repite cada lunes en Barbès, un pequeño local especializado en lo que el etnocentrismo anglosajón suele llamar “world music”. El barullo y el bailongo perpetrados allí desde hace ya un año han tenido eco incluso en la gran prensa (The New York Times les dedicó no muy poco espacio) y animaron a Chicha Libre –así se llama el grupo- a editar ¡Sonido Amazónico!, su primer álbum, en el que conviven la influencia de aquellas bandas de la selva que en los años 70 le dieron una dimensión más intensa y hasta psicodélica al baile tropical en nuestro país, con elementos propios del rock y la chanson francesa.

Pero Barbès también es un sello discográfico, que lanzó con explosivo éxito de crítica en 2007 el recopilatorio The Roots of Chicha: Psychedelic Cumbias from Peru, que hizo que la atención del mundo occidental se enfoque hacia la cumbia amazónica originada hace cuatro décadas (acaba de hacer lo propio con Juaneco y su Combo en Masters of Chicha, Vol. 1).

El cuidado puesto en la selección del repertorio de ambos discos y las respuestas que nos da en la siguiente entrevista despejan cualquier sombra de oportunismo de parte del parisino Olivier Conan, propietario del bar y el sello, y vocalista de Chicha Libre; un raro ejemplo de músico melómano y conocedor profundo de la música peruana y latinoamericana.

Sabemos que en tu primera visita al Perú conociste la cumbia amazónica y quedaste prendado de ella, a tal punto que al regresar a New York editaste The Roots of Chicha. Antes de venir acá, ¿conocías algo de la música peruana?
Fui allá con mi novia porque quería conocer el país, pero también porque estaba interesado en la música. Varios años atrás un amigo mío me trajo desde Lima una cinta de Oscar Avilés y Zambo Cavero y me quedé enganchado. Estuve escuchando música criolla desde entonces y esperaba oír algo de ella en vivo o aprender un poco más sobre ella. Para mí, estar en Barranco, escuchar a músicos callejeros cantar “Cada domingo a las doce después de la misa” era el paraíso absoluto.

¿Conoces la cumbia colombiana? ¿Qué diferencia encuentras entre ella y la peruana?
Como la mayoría de gente que vive fuera del Perú tuve familiaridad con la cumbia colombiana antes de saber de la peruana. Discos Fuentes editó recopilaciones maravillosas y soy fan de bandas de cumbia clásica como la de Lisandro Meza, de Los Corraleros de Majagual y de Alejo Durán, así como de lo que hacía Lucho Bermudez con grandes bandas. Y la cumbia peruana suena completamente diferente en mis oídos. No sé cómo expresarlo con palabras, pero no tiene el mismo groove, no es tan polirrítmica. Mucha cumbia colombiana se alimenta de la tensión entre 3 y 4. Más aún, los acordeones y el bombardino tienden a enfatizar más el ritmo y la síncopa. La cumbia peruana es un poco más directa; menos africana, me parece. El énfasis está en la guitarra eléctrica, que la hace más melódica. De hecho, creo que Perú debe tener los mejores guitarristas del mundo.

Tus compañeros en el grupo ¿conocían la cumbia peruana antes de que les hablaras de ella?
Al regresar de Perú me traje un montón de discos pero ninguno de mis compañeros músicos estaba familiarizado con esa música. Sin embargo conectaron con ella muy rápidamente y casi de inmediato empezaron a divertirse con ella.

A comienzos de los años 90 sabíamos de Combustible Edison y su sonido lounge. De hecho, entonces era extraño encontrar algo así en la escena alternativa. Por eso es que a muchos nos sorprendió que su bajista toque ahora en Chicha Libre. ¿Cómo es que Nicholas Cudahy llega a la banda?
¡Guau! No tenía idea de que la reputación de Combustible Edison había llegado tan al sur. ¡Eso es magnífico! Conocí a Nick a través de Barbès, el club que tenemos acá, en Brooklyn, con el guitarrista de la banda (Vincent Douglas, el otro francés del grupo) y me gustaba mucho su forma de tocar. Le pregunté si estaba interesado en hacer algo de esta música. Sí lo estaba. Fue una cosa muy casual al comienzo. Nick es un gran músico. Muy versátil. Es un muy buen músico de jazz y también toca en una sorprendente banda africana. Además toca mucha música judía. Es un gran tipo… Ninguno de nosotros somos puristas que tocan sólo un tipo de música. Tocamos cosas que de verdad amamos.

Eres también integrante de Las Rubias del Norte, grupo al que le noto una muy fuerte influencia mexicana. ¿Por qué en vez de tocar en esa banda la cumbia peruana, preferiste formar otra agrupación?
Los dos proyectos son muy diferentes. Las Rubias del Norte es casi un grupo de cámara. Actualmente tocamos con un cuarteto de cuerdas. Adoro esa banda –toco allí con mi novia– pero Chicha Libre requirió una instrumentación muy diferente, basada en gran medida en la clase de sonido que conseguiríamos. El propósito principal de Las Rubias es mostrar las voces de las cantantes. Es un proyecto mucho menos duro. Ahora hacemos algunas cumbias, incluida una peruana: un cover de Los Diablos Rojos, pero suena muy diferente de lo de Chicha Libre.

Me sorprendió ver en el sitio de Myspace de Las Rubias del Norte que entre sus amigos estaban “Zambo” Cavero y Oscar Avilés.
Soy fan de ellos desde hace tiempo. Adoro sus discos afroperuanos, como Qué Tal Trío, que hicieron con Lucila Campos. También me encantan los discos solistas de Avilés y grupos como Los Dávalos y Los Troveros Criollos. De Los Romanceros Criollos me gusta como mezclan huainos y valses y también gusto de los sonidos bailables de Lucha Reyes y, por supuesto, de Chabuca Granda, que es una de las mayores compositoras de América. Realmente me sorprendió la cantidad de música que hay en Perú. Entre lo criollo, lo afroperuano, el folclore y las cumbias hay una sorprendente paleta de géneros típicos, para no mencionar la muy vibrante escena inicial del rock peruano. Fue grandioso ver bandas en pequeños lugares, frecuentemente tocando más de un estilo, yendo de un huaino a un vals y de ahí a un festejo. La de ustedes debe ser una de las culturas más musicales del mundo.

¿Qué bandas de cumbia peruana son tus favoritas y por qué?
Juaneco y Su Combo y Los Mirlos. Juaneco era increíblemente creativo. Tenía un sonido muy bueno, composiciones realmente interesantes y nunca predecibles. Las influencias que tenía aparecían de forma sutil. Creo que Noe Fachin (guitarrista de ese grupo) es uno de los grandes héroes de la música popular del mundo. Si hubiera nacido en Inglaterra o Estados Unidos hubiese sido una de las grandes estrellas del rock. Vivir en Pucallpa hizo que las cosas fueran un poco más difíciles para que obtuviese reconocimiento. Y Los Mirlos aparecieron con uno de los mejores sonidos integrados y, especialmente, con un sorprendente sonido de guitarras. También me encantan Los Hijos del Sol porque fueron los primeros en traer la influencia andina a la cumbia con melodías de estilo huaino, mezcladas con efectos sicodélicos… Pero hay tantas grandes bandas: Los Orientales de Paramonga, Los Tigres de Tarapoto y por supuesto Los Destellos. No hay guitarrista mejor que Enrique Delgado.

Algunos sonidos en el álbum ¡Sonido Amazónico! son muy similares a las viejas grabaciones de bandas como Juaneco y Su Combo o Los Mirlos. ¿Usaron para ello viejos instrumentos y efectos de guitarra? ¿Consultaste con algún ingeniero de sonido peruano para sonar como aquellos discos clásicos?
No. Sólo intentamos usar el buen gusto y el sentido común, sin efectos modernos y con tantos sonidos grabados en cinta como fuera posible. Joshua Camp (también integrante de One Ring Zero), toca un híbrido de órgano y acordeón llamado electravox que suena muy semejante a un órgano de fines de los 60 y como un Farfisa, que es lo que se usó en la mayoría de esos discos, especialmente en los primeros de Juaneco y su Combo. Además usamos un Moog en uno de los temas (algo que Los Destellos también hicieron) y pusimos todo a través de una cinta delay antigua, lo que imagino que también se hizo en la mayoría de aquellas grabaciones del sello Infopesa. Intentamos recrear un ambiente similar, pero sin alocarnos para lograrlo. No queríamos sonar antiguos o auténticos. Sólo compartimos una estética e intentamos emularla tanto como sea posible. Lo mismo ocurrió con la guitarra. Usamos un amplificador de tubos moderno muy similar a los viejos circuitos de tubos.

¿Tuviste contacto con miembros de los grupos peruanos que versioneas en el disco, como Los Mirlos o Juaneco y Su Combo?
Estuve en contacto con Mao Wong, que es hijo de Juaneco y también con Angel Rosado de Los Hijos del Sol, quien falleció hace pocos meses, e intercambié un par de correos electrónicos con Jorge Rodríguez Grandez, de Los Mirlos.

“Indian Summer” es un cover sorprendente, pero es muy diferente de las otras canciones. ¿Cómo es que deciden incluirla en el repertorio de Chicha Libre?
Originalmente fue escrita por un compositor italiano y se volvió muy famosa cuando la interpretó el cantante franco-americano Joe Dassin en los años 70. Nos hemos tomado muchas libertades con aquella canción. Cambiamos el verso completamente y el resultado fue más un mish-mash, con un poquito de son, algo de chachachá y una muy dulce y etérea soprano que nos llevó hacia el terreno de la música para películas. Es nuestro esfuerzo a favor de la universalidad pop…

“Tres Pasajeros” tiene un sabor muy psicodélico ¿Qué bandas de ese rubro te han influenciado?
Ninguna banda en especial viene a mi mente. La música psicodélica es ya una parte sustancial de nuestro universo musical que casi parece que no perteneciese a algún grupo. La estética va más allá de las bandas que fueron inspiradas por ella. Por supuesto, clásicos como el primer Pink Floyd o la banda californiana Love son influencias obvias.

Resulta extraño para un peruano escucharlos cantar sobre la chicha de jora y la cancha en “Popcorn Andino”. ¿Alguna otra comida peruana que te guste aparte de esa?
Un montón. Adoro la comida peruana. Es una de las mejores cocinas en América. Ceviche, escabeche, pollo maravilloso, anticuchos, pisco…Creo que eso es comida de verdad.

¿Cómo reacciona la gente ante Chicha Libre en Estados Unidos? Suponemos que ustedes tocan para una audiencia “gringa”. Aquí en Lima nos mata la curiosidad por saber como esa gente baila la cumbia amazónica…
Las reacciones son muy positivas y entusiastas. Lo duro es hacer que la gente empiece a bailar. Si la audiencia está formada por sólo norteamericanos, será un poco difícil, pero afortunadamente conseguimos que unos cuantos peruanos vengan a los conciertos y ellos tienden a convertirse en ejemplo y bailan. Hemos tocado en un montón de lugares hasta ahora: la Costa Este, Chicago, la Costa Oeste, Montreal. En Canadá tuvimos a 30 mil personas en el festival de jazz que se realizó ahí el verano pasado y hubo una muy buena reacción. En todos lados la gente parece gustar de esta música.

¿Y cuándo los podremos ver en Lima?
Esperamos que sea pronto. Tan pronto como algún promotor nos ofrezca hacer un concierto allá. Nos morimos por ir y también nos pone un poco nerviosos tocar allá, pero tendrá que ocurrir. ¿Conoces a algún promotor? ¿Sabes de algún festival? ¡Pasa la voz!… Nos gustaría mucho ir.

¿Te fue difícil obtener los derechos de las grabaciones para la recopilación The Roots of Chicha? Aquí es difícil encontrar reediciones de los LP’s originales.
Conseguirlos consumió nuestro tiempo. Muchos de aquellos temas fueron lanzados originalmente por el sello Infopesa, de Alberto Maraví, quien sacó todas las mejores grabaciones de esa época, Desafortunadamente el sello quebró y parece que Maraví no es muy localizable. Después de eso IEMPSA acabó con los derechos de un montón de aquellas canciones y por eso puede licenciarlas directamente a través de esa empresa. También pude licenciar los temas de Juaneco y de Los Hijos del Sol directamente con ellos. Pero no pude localizar las cintas originales, desafortunadamente. Mao Wong me dijo que la mayoría de ellas se habían quemado. No sé si ese es el caso en realidad.

¿Lanzarás otra recopilación similar?
Me gustaría, pero, como sabrás, el factor económico de editar CD’s es muy complicado ahora. Trabajo por mi cuenta y hago tan sólo el dinero suficiente para financiar mi siguiente proyecto, así que ya veremos. Me agradaría otra recopilación con más bandas de los 70.

Chicha Libre “Popcorn Andino”

A primera vista parece tener menos que los 25 años que registra su pasaporte, pero cuando uno conversa con ella, Javiera Mena parece tener las cosas mucho más claras que cualquiera de las adolescentes que la siguen y admiran.

La cantautora chilena nos visita para dar hoy su primer concierto en Lima. No viene sola. La acompaña Cristián Heyne, ex integrante de Christianes (banda sureña de efímera vida, muy influenciada por el indie rock británico de fines de los 80 y comienzos de los 90) y hoy al mando del misterioso sonido de Shogun, pero también productor de gente como Supernova o Kudai y de Esquemas Juveniles, el debut de Mena y uno de los mejores discos pop de la década en Hispanoamérica.

Mientras él y su manager la esperaban, charlamos con Javiera sobre cómo será el sucesor de su ya clásico álbum debut y sobre otros temas menos trascendentes.

Por Fidel M. Gutiérrez

¿Por qué tanto tiempo entre Esquemas Juveniles y el que será tu segundo disco?
Llevo trabajándolo un año y medio. Estoy haciéndolo independientemente y estoy pagando el estudio de grabación. Lo mismo pasó con Esquemas Juveniles. Se hace la grabación en los ratos libres y de repente pasan dos meses y Cristián Heyne de pronto está produciendo a Kudai o a lo que sea, porque también tiene que trabajar. Esta situación tiene cosas a favor porque uno de repente escucha más las canciones. Pasa un tiempo y ves en ellas cosas diferentes y les voy cambiando las letras. No se si es más positivo trabajar así o cuando te dicen que tienes dos meses para hacer el disco, aunque no me sentiría tan cómoda trabajando así. Lo mío no es como trabajar con una banda que llega con las canciones del disco las toca, las graba y listo. La composición se va dando en el mismo estudio.

¿No hay músicos apoyándote en la grabación?
El disco lo programé todo en mi computadora. Es todo electrónico. Hay un par de grabaciones que compusimos en el estudio completamente, armando la batería y todo. Llevé las programaciones midi y allí empezamos a cambiar sonidos, a abrir los midi. Hay un chico que me ayudó con las cuerdas, Kelley Polar. Es un gringo que hace música electrónica, del cual soy fan. La bajista del grupo argentino No Lo Soporto grabó un par de canciones. Cristián ha grabado algunas guitarras pero soy más que nada yo sola tocando y la programación que se hizo en el estudio.

Suponía que por lo bien que te ha tratado la crítica en tu país y por la repercusión que has tenido en Argentina y Japón iba a interesarse por tu nuevo disco alguna disquera grande. En México, por ejemplo, Esquemas Juveniles lo editó EMI.
Fue una licencia lo que hicimos allá. Pero lo que quiero es tener el disco terminado para empezar a conversar. No me cierro a una disquera, pero cuando te pasan plata para hacer un disco te piden muchos cambios y yo no quiero eso, cachay. Te piden ser el dueño del 80 por ciento de tu master a cambio de que te paguen el disco. Creo que me conviene terminar el disco y de ahí ver qué hacemos con el material terminado.

Entonces tendremos que esperar algún tiempo más para escuchar el nuevo disco.
El disco está prácticamente terminado. Lo que falta es la mezcla. Cristián es una persona muy obsesiva para encontrar el sonido adecuado. Se toma su tiempo y estoy de acuerdo con eso; pero sale en la primera mitad de 2009, sí o sí.

¿Cómo así te vinculas con Cristián y él se llega a interesar por tu música?
Somos muy amigos. Hemos hecho una amistad fuerte. Él cree mucho en lo que hago. Para él es gratificante trabajar conmigo como lo es para mí trabajar con él. A pesar de que no le estoy pagando, igual quiere trabajar conmigo porque le motiva mucho más que otras cosas que sí le dan plata.

¿Cómo tomas que gente como Cristián, Jorge González o Julieta Venegas, que son de una generación mayor que la tuya, se te acerquen y busquen hacer cosas contigo?
Es súper gratificante que gente a la que yo admiro mucho como Jorge, que hizo el disco Corazones, que para mí es como el disco pop chileno más fuerte e importante, se interese en mí y hable cosas buenas de mí. Para mí eso es la felicidad. Me he hecho un poco amiga de él y quiero hacer cosas con él en el futuro. El ha hecho algunas cosas para mi disco. Con Julieta Venegas pasa lo mismo. Cuando fue a Chile le di mi disco y nos hicimos amigas. Me invitó a hacer una canción en su recital y hubo muy buena onda con ella. Ambos son gente muy abierta que siempre están escuchando cosas nuevas. Julieta es una persona de la que siempre aprendo mucho de música porque en su Myspace siempre está recomendando bandas. Es súper bueno tener contacto con personas que te entregan información.

¿Habrá alguna versión en el nuevo disco, así como en el primero incluiste “Yo No Te Pido la Luna” (la canción de la italiana Fiordaliso que en Latinoamérica popularizara Daniela Romo)?
Este disco no tendrá covers, pero me gusta seguir haciéndolos en vivo.

¿Por qué coordenadas de la electrónica se moverá el nuevo disco? ¿A qué referente se aproximarán los temas?
Creo que a Pet Shop Boys, a quienes veo como un patrón muy importante. Me gustan ese tipo de cortes que hacen en sus canciones para darles una estética sonora bien sutil y no de marcha discotequera fuerte, porque hay que mantener la sutileza y la elegancia. Lo que estoy haciendo ahora son canciones ultrapop, con coros; más pop, más resumidas. Los estribillos son muy fuertes, intensos. La temática también es de otra época, ya no de adolescente.

¿Las letras de Esquemas Juveniles correspondían a tus vivencias personales o en ellas asumes el papel de otras personas distintas a ti?
La mayoría son letras autobiográficas pero también hay historias de amigos bien cercanos. En ese entonces llegaba un amigo y me contaba esto y esto; cosas que me llamaban la atención y que me sirvieron para hacer letras; pero principalmente son vivencias mías. Por eso son “esquemas juveniles”, propios de esa etapa que es como de primeras cosas: el primer amor, la primera decepción amorosa. Uno va aprendiendo y sorprendiendo. Es como una etapa fuerte la de la juventud.

¿Ya no seguirás esa línea temática en el nuevo disco?
Es una temática que me gusta tocar a pesar de que ya pasé por la adolescencia, pero creo que este disco es más nutrido en ese sentido porque ya no son los “esquemas juveniles”. Hay un par de cosas de ellos en las que me inspiré, pero creo que el disco va como por otra línea, ya no de la adolescencia.

Pet Shop Boys, “Yo No Te Pido la Luna”, Jorge González… ¿Te influye mucho el sonido de la década de 1980?
Le tengo un cariño muy especial a los sintetizadores análogos de esa época, cuando recién se entraba a lo digital. Esos sonidos me gustan muchísimo: el Casio CZ-101, el DX-7. A todo ese tipo de sintes les tengo un cariño especial y busco lograr esa sonoridad, pero a la vez no quiero sonar como una réplica de un sonido retro, sino que sea algo actual y fresco. No quiero copiar y ser totalmente ochentero o noventero. Es un influencia, pero no quiero sonar igual que eso.

¿Te sientes parte de una escena en particular en tu país? Aquí, por ejemplo, buena parte del público que te sigue, se considera “indie”.
Más que chilena me siento parte de una escena sudamericana. En Chile hay cosas pero no las siento como que se encierren ahí no más. Yo y Gepe viajamos muchísimo a Argentina y México. Como Chile es superchico hay que salir. Es por eso que no se encierra allí la escena. No puedes encerrarte. Allí tengo hartos amigos míos que ya están haciendo cosas, en lo que se podría llamar a una escena por lo cercanos que somos. Está Fredi Michel, un grupo que está haciendo cosas súper interesantes; está Teleradio Donoso… Hay mucha calidad… Los Bunkers, que ya se van a México; De Saloon, Gepe; hay mucha música hip hop pero ya no tan purista, sino que se mezcla con electrónica y folklore…

En este tiempo en que has tocado tanto en tu país como en el extranjero, ¿cuál ha sido el concierto en el que mejor te sentiste, tanto con tu ejecución como con la respuesta del público?
En Argentina me siento muy a gusto. Más que en los grandes festivales me siento mejor en lugares más chicos donde la gente forma una energía y un feedback muy buenos. También eso pasa en una discoteca de Santiago llamada Blondie. En México, en el festival Vive Latino, había muchísima gente que cantaba en masa “Sol de Invierno”, que es la canción mía que más ha sonado allá, porque Radio Reactor, que es una radio del gobierno que todo el mundo escucha, la difundió. En esa radio no se necesita pagar para sonar, como en casi todas las demás.

Parece que el antagonismo que parecía haber entre Argentina y Chile ya no es tanto. Tú has ido para allá y bandas argentinas independientes tocan constantemente en Santiago.
Está todo bien en Argentina. No he sentido para nada que digan “qué hace esta chilena aquí”. Al contrario, siempre me reciben muy bien. Creo que esa rivalidad es más de los 90, pero a pesar de eso en Chile suena pura música argentina… Es medio raro… A Argentina no llega mucho la música chilena porque ellos son una nación que consume mucho sus propias cosas y miran poco para afuera. Es lo que pasa con Brasil también. Los argentinos se quedan con Charly, Calamaro… Ven al rock un poco como al fútbol y siguen a sus bandas por todos los lugares. Son muy nacionalistas en ese sentido. Pero como mi música no va por el lado del rock barrial, mantiene un territorio que no es nacional ni nada y llega a un nivel menos grande, pero que tampoco es de solamente diez personas. Es que ahora la música alternativa ya es un mercado grande.

¿Sabías algo del rock que se hace aquí?
Escuché a Marco y Nico, que me pareció muy bueno. Es medio en onda Kings of Convenience; medio bossa nova pero en español. También escuché Libido hace tiempo, pero ahora vengo a conocer. Es lo que me pasó en Brasil: No conocía muchas cosas y me fui con el calor de la gente, miles de discos y conociendo a otras bandas. Hice contacto con ellas para ver si pueden ir a Chile, porque ahora todo es como el “boca a boca” por Internet.

¿Qué es lo que falta para que los grupos de la escena independiente formen parte de un boom del rock a nivel masivo en nuestros países?
En mi caso, creo que lo que falta es organización y convicción como las que tiene un empresario para hacer su empresa. Hay que ver esto como un negocio, porque no es nada malo verlo así. Hay que vivir de esto. Así como un médico le pone valor a su trabajo, un músico también lo tiene que hacer. Lo que pasa con los músicos es que a veces dicen que lo hacen por el arte, y eso no es así porque eso hace que la gente mire desde afuera a la música como una entretención para que todos la pasen bien, y no es así, porque también hay mucho trabajo detrás de ella, y ese trabajo también tiene valor.

2008 fue un año espectacular en cuanto a conciertos. Ni más ni menos. Mientras muchos pensaban que la fiesta terminaba con el carnaval que provocaron los Cadillacs en el Nacional, esas cuestiones imprevisibles que tiene el destino o un arriesgado empresario nos regalan el broche de oro para este año de veladas inolvidables y cuerpos devastados por la emoción y la mejor música del mundo a la vuelta de la esquina (recordar el concierto de R.E.M). Sí señores, este 27 de diciembre en el Sargento Pimienta la pachanga y gozadera viene cortesia del combo más malcriado y sensual de la escena latina, Los Amigos Invisibles. Para calentar un poco la pista de baile, conversamos con Armando Figueredo, tecladista de la funky-psico-ambient-lounge-dance… banda venezolana. Faltan pocos días para gozar de verdad.

Venezuela siempre ha experimentado una aparente bonanza económica, eso contribuyó a que ustedes tuvieran acceso a la música que se hacía al otro del Atlántico. ¿Qué discos escucharon en su adolescencia caraqueña?
Verdaderamente en los setenta y hasta comienzos de los ochenta, Venezuela fue un país con una gran bonanza económica por lo cual muchos de los venezolanos tuvieron la posibilidad de viajar alrededor del mundo y conocer distintas culturas. Recuerdo de muy pequeño escuchar con mi hermano los discos recién salidos de The Police y The Clash. El primer disco que yo compré fue Disintegration de The Cure, pero nuestra cultura es bastante ecléctica por lo que es muy posible que en un mismo día me levantara escuchando The Cure luego mi padre al llevarme al colegio me interrogaba sobre mis conocimientos de música clásica para saber si era capaz de reconocer el compositor de la canción que sonaba en su estación de radio favorita. Después al tomar un autobús para ir al centro comercial podía escuchar salsa y finalmente en la noche al ir de fiesta cualquier cosa desde meneíto hasta los dance hits del momento o los top 40.

¿En Caracas a inicios de los noventa se sentían en tierra de nadie, ni esquemáticamente salseros pero tampoco siguiendo la rigidez de un discurso rockero a ultranza? ¿Cuál era su actitud en dichos años y qué respuesta tenían del público ante su inédita oferta sonora?
La escena musical underground de Caracas se dividía en bandas de rock (metal, dark, punk, etc.) o de ska. Nunca nos identificamos musicalmente con el ska, y eso de estar llorando por los problemas del mundo en una sala de teatro al son de guitarras distorsionadas no nos parecía que se identificara mucho con una persona nacida en un país caribeño, pero tampoco éramos merengueros o salseros. Al principio nos identificábamos con grupos como Red Hot Chili Peppers hasta que apareció un disco de una banda llamada Brand New Heavies que tocaba acid jazz; la frescura y riqueza musical de las bandas exponentes de este estilo nos hipnotizó y decidimos formar nuestro grupo como una banda de este género.

¿Asentarse en Nueva York para vivir de la música luego de grabar su primer disco era la única salida que les dejaba la situación económica en la Venezuela de aquella época?, ¿cuánto aportó ese cambio de espacio a su desarrollo musical?
En verdad no nos mudamos a NY si no hasta después de nuestro tercer disco, Arepa 3000, en parte en reacción a la situación político económica del país ciertamente, pero más que todo tomamos nuestra decisión pensando en expandir el alcance de nuestra música a nivel mundial, ya durante ese tiempo estábamos bajo el brazo de Luaka Bop cuya oficina quedaba justamente en NY y sentíamos que la única manera de poder crecer era salir de nuestro país a patear el mundo.

¿La aparición de Luaka Bop y de David Byrne les cambió la vida? ¿Cómo es su relación con el ex Talking Heads?
Ciertamente haber sido apadrinados por David nos abrió muchas puertas y de no ser por haber salido bajo Luaka Bop la historia sería muy distinta. David es un artista en el sentido amplio de la palabra: excelente músico, diseñador gráfico, escritor y fotógrafo, entre otras cosas. Una persona muy humilde con mucho respeto hacia los músicos, conocerlo ha sido un gran aprendizaje.

¿Cuán importante es para ustedes hacer dance music? Habiendo tocado en prácticamente todo el mundo, ¿han comprobado que es un lenguaje universal?
Hacemos dance music pues es el punto en común donde todos los integrantes nos encontramos musicalmente y es lo que nos alimenta el alma. La música definitivamente es un lenguaje universal, una religión si se quiere y lo que es mejor, una religión libre de dogma. Nos complace mucho ver gente que no entiende ni p de español bailar a gusto al ritmo de nuestras canciones y gracias a nuestra música hemos conocido diversas culturas y ciudades, además de haber cultivado amistades por todo el mundo.

Lounge, ambient, disco, funk, merengue y una mezcla considerable de ritmos y estilos sonoros, ¿cómo conciliar ese collage en una canción y luego en un álbum? ¿No temen caer en la dispersión por esa ambición?
Tocamos todo aquello que nos inspire y nunca hemos sentido la necesidad de apegarnos a un género en específico, para nosotros es un reto lograr reproducir todos estos ritmos y nos complace mucho cuando lo logramos.

¿Cuánto influenció su sonido el discurso pionero de Juan García Esquivel?
Esquivel es una de nuestras influencias más fuertes, lo descubrimos investigando los orígenes del acid jazz y el lounge de la misma manera como dimos con Aldemaro Romero que, paradójicamente, era un compositor venezolano del cual poco o nada supimos hasta que nos enteramos que era una de las fuentes de inspiración de una banda llamada Corduroy, la cual seguíamos fervientemente.

Diez años después, ¿cuál es su apreciación de The New Sound of Venezuelan Gozadera? ¿Un álbum tan rico y con tantas vetas sónicas a explotar (del ambient lounge de “Las Lycras del Avila” a su super hit “Ponerte en Cuatro” o la inclasificable “Otra Vez”) no les puso la valla muy arriba para que lo vendría después?
Yo soy de los que piensa que todavía no hemos logrado nuestro mejor álbum y que está por venir, pero en verdad de nada sirve enfrascarse en revisar lo que se hizo en el pasado y tratar de hacerlo mejor, la música funciona si se hace con la intención de expresar lo que sientes y lo que quieres decir.

¿Se puede entender la propuesta de los Amigos Invisibles sin el elemento sensual y erótico? ¿También siguen aquella máxima nunca escrita de hacer música para bailar y ver pasar a las chicas?
La sensualidad y el humor de nuestras letras vienen dadas por nuestra condición de caribeños, es parte de nuestra cultura e idiosincrasia, y yo creo que prueba de que se puede entender a los Amigos Invisibles más allá de sus letras es que personas que no hablan el idioma bailan libremente al son de nuestra música, aun así todo aquello que sea bailable tiene implícito algo erótico y sensual.

¿Cómo surgió la idea de incluir en sus discos esa especie de separadores a modo de diálogos o sampleos (“Nerio Compra Contestadora”, “No Le Metas Mano” o esa especie de rito vudú con el que cierran el último track de The New Sound of Venezuelan Gozadera) irreverentes y cargados de humor?
Oye en verdad no recuerdo, se ha vuelto una parte tan integral de lo que hacemos que olvido cómo llegamos a eso. Sí recuerdo que siempre hemos querido que nuestros discos sean algo fluidos y sin interrupciones y bueno, siempre hemos sido una banda en la cual el sentido del humor es algo muy importante.

¿“Llegaste Tarde” es una salsa sideral, han pensado enviarla a la Estación Espacial Internacional? ¿Cuáles son sus principales referentes en el terreno salsero?
La salsa brava de los setentas esa que salió del Bronx, la Fania, Héctor, etc., eso es lo que en un principio nos encantó de ese género… ¿La estación espacial? por mí que nuestra música suene en Júpiter, aunque no creo que a Chávez le guste mucho la idea.

¿Amigos Invisibles planea dedicarse en un futuro cercano a musicalizar filmes porno?
Es algo que se ha pensado.

La creación de su propio sello Gozadera Records les ha permitido la estabilidad de poder grabar lo que deseen, ¿cuál es el concepto detrás de su casa disquera?
Tener una disquera propia nos ofrece muchas libertades y beneficios, además de la libertad creativa, somos dueños de nuestros masters (grabaciones) lo cual es la única propiedad física de un músico.

¿Cómo suelen trabajar su faceta de hacer remezclas, trabajos por encargo o celebrar y reelaborar el material de artistas que admiran?
De ambas maneras se ha trabajado, a veces hay que hacer cosas por placer sin que te paguen o cosas que te pagan pero no son placenteras, las mejores son las que pagan y son placenteras.

Super Pop Venezuela fue producido por Dimitri from Paris ¿qué tal experiencia fue trabajar con alguien tan reconocido en la escena electro dance?
Trabajando con MAW (Masters At Work) tuvimos la oportunidad de conocer y también trabajar con Dimitri, inmediatamente nos volvimos amigos y tener un disco producido por él fue un paso natural de la relación que desarrollamos.

¿Haber editado un disco de covers y luego un álbum doble en vivo En Una Noche Tan Linda Como Esta, que recopila la ruta recorrida durante años, es la pausa necesaria para el siguiente paso discográfico de los Amigos Invisibles? ¿Cómo ven el futuro de la banda?
Más que una pausa ambos discos fueron parte del crecimiento de la banda, Super Pop era algo que llevábamos en la cabeza desde hace tiempo, en principio como propuesta para show en vivo y eventualmente degeneró en un LP, y el DVD en vivo es algo que nuestros fans han pedido desde hace tiempo. Acabamos de terminar nuestro próximo LP, de nombre Comercial, el cual estará a la venta en el 2009. Estamos muy contentos con el producto final y tenemos muchas expectativas de lo que este próximo disco pueda traernos.

¿Qué debe esperar el público limeño para el 27 de diciembre y cómo creen que será esa noche? ¿Alguna recomendación especial para las mujeres limeñas?
Esperamos que todos y cada uno de los limeños bailen con nosotros esa noche y drenen a través de esa danza todos las tensiones acumuladas del día a día, a las mujeres limeñas (y a los hombres también) será la noche perfecta para conseguir el Cuchi Cuchi que tanto desean.

Francisco Bochatón nunca se ha tirado a la piscina desde el noveno piso de un hotel, ni se ha agarrado a trompadas con periodistas, ni ha agredido físicamente a sus admiradores, ni ha declarado que su capricho es ley, ni destroza parlantes y micrófonos, ni empieza sus conciertos cuatro horas tarde, ni es paranoicamente quisquilloso con el sonido (probablemente porque no se está quedando sordo), ni interpreta tres canciones y se larga, ni ha sido internado en una clínica por drogo, ni piensa que es lo mejor que le puede haber pasado al rock argentino, o al mundo en general.

Y es por eso es que a Francisco Bochatón no lo consideran un genio.

Uno de los precios que se paga por no ser un genio (del marketing) es la indiferencia de los medios. No importa qué tan buenos discos y qué tan hermosas canciones hayas logrado, si no haces escándalo, no existes. No sabemos si por voluntad propia o por incapacidad de venderse, Francisco Bochatón es uno de los mejores músicos argentinos que nadie conoce. Esa injusta condición ocurre a despecho de una trayectoria artística que ya abarca dos décadas, desde que irrumpiera a comienzos de los noventa al frente de Peligrosos Gorriones y formara parte de eso que en su momento se llamó “nuevo rock”, junto a bandas como Babasónicos y Juana La Loca, para luego continuar con una admirable carrera solista, menos “sónica” y más intimista, que quizás alcanzó su máximo esplendor con sus dos EP’s, Píntame los Labios y Mundo de Acción.

Bochatón ha lanzado un nuevo álbum este año, llamado Tic Tac, pero como no se pinta la cara de colores, ni le pide a sus fans que bombardeen locales donde le rompen la cara por abusivo, ni le regala botellas de champán a los periodistas, nadie se ha dado por enterado. Bocha, ¿por qué no sales, le metes un balazo a Charly y así matamos dos pájaros de un tiro?

Mientras tanto, he aquí nuestro granito de arena para resolver esta escandalosa falta de difusión a través de la siguiente entrevista exclusiva (¡la primera en el blog de 69!) con el entrañable cantante y compositor platense.

Entrevistan: Cocker y 69

En la década de los noventa la crítica musical argentina hablaba de una movida sónica, en la que se incluía a tu banda Peligrosos Gorriones, ¿cuál es tu posición frente a esta clasificación, qué experiencia guardas de esos años?
Peligrosos Gorriones como muchas bandas de los noventa fue un ejemplo más (con sus características) de romper un poco las reglas que hasta el momento el rock presentaba, fue como una explosión catártica y bastante innovadora.Yo no creo y no lo creí en su momento que la banda perteneciera a un género de muchas bandas, como lo llamado sónico de esa época, pero como muchos recursos eran parecidos seguramente para la prensa fue fácil involucrarla dentro de este género, que además sólo fue un rótulo de la prensa, para mí cada una de esas bandas era totalmente distinta en su esencia.

En Latinoamérica el formato EP es una opción prácticamente desechada por los músicos. Luego de editar Píntame los Labios y Mundo de Acción, dos discos prácticamente perfectos, intimistas e intensos, abandonaste el formato. ¿Por qué tomaste esta decisión?
En realidad no la abandoné del todo, simplemente es un recurso más que puedo volver a usar, de hecho hace dos años antes de lanzar La Tranquilidad Después de la Paliza pensé en sacar otro EP, con 4 temas que había grabado en un estudio en Buenos Aires. Igualmente estaba teniendo ganas de sacar un disco con muchas canciones, ya que tenía bastantes y hacía falta pasarlas en limpio y escuchar otro disco largo, así que hice eso. Podría sacar otro EP en algún momento, no lo descarto. Pero ahora mis necesidades fueron otras.

¿Debemos entender que “El Gusano”, “El Gorila” y “Elemento Enigmático” son como guiños al pasado, es decir, a una nostalgia por el sonido de Peligrosos Gorriones?
Tienen en común esos temas una forma y una estructura que podrían ser un guiño a los Gorriones pero en realidad siempre estuvo en mí esa forma de componer, no la abandoné del todo nunca. Si bien en los discos solistas anteriores se escucha una canción en el sentido más embrionario que hay, siempre compuse temas como “El Gusano” o como “El Gorila”, en el último disco Tic Tac está “Rayo al Trueno”, que también tiene una atmósfera similar, es una forma de componer más a las de las baladas tranquilas.

En Tic Tac encontramos dos pequeñas sorpresas. En “Perfume Parpadear”, ¿el ritmo calipso se debe a una intención de expandir los horizontes sonoros o a un ejercicio lúdico?; y en “Corazón Divino”, donde la melodía es similar al “About A Girl” de Nirvana, ¿se trata de una simple coincidencia o de una semejanza deliberada?
De “Corazón Divino”: Bueno, yo soy un ferviente seguidor de las melodías desgarradoras de Nirvana, era eso mismo. El parecido puede ser por una cuestión más bien generacional y de elecciones de sonidos y armonías. Realmente nunca pensé en Nirvana cuando compuse la canción, tampoco me molesta que se parezca a eso. Para nada, nunca tuve un patrón tan concreto para seguir o a quien imitar, no es una costumbre en mí.
De “Perfume Parpadear”: Puedo decir que es una canción que me costó mucho llevar al disco pero me pudo la letra y el juego con el ritmo, no trato de romper la estructura del disco con un tema de este tipo de ritmos, pero sí me agrada la heterogeneidad que le da a un disco y también es un tema que en realidad me gusta mucho.

¿La canción perfecta dura tres minutos? ¿Tú la buscas?
En general me gustan las canciones cortas pero no me desespera últimamente que los temas duren mucho, y si tienen más instrumentación o partes sin letra mejor, estuve mucho tiempo cantando sin dejar partes instrumentales, estoy disfrutando eso ahora.

Tus canciones de amor son claras y directas (“Puerto Amar”, “Pastillas Celestes”), sin embargo cuando abordas otras temáticas (por ejemplo, el problema de la creación artística) tiendes al hermetismo, en este caso el poeta desplaza al músico?
Sí, puede ser que aborde en algunos temas una forma críptica pero son las palabras o poesías en complemento con la música, no la desplazan pero sí hay una mayor atención a la palabra en muchas canciones.

El sello que ha editado tu disco, Ava Records, ha adoptado la novedosa estrategia de incluir dos copias del mismo CD, suponemos que para desalentar la piratería. ¿Crees que está dando resultado?
No voy a ser ingenuo y creer que desalienta a la piratería pero sí me parece algo muy novedoso y entretenido a la vez que es una forma de arte bastante original y bondadosa que puede generar una tendencia a querer tener el disco original.

¿Las veladas musicales en Buenos Aires luego de la tragedia del concierto de Callejeros cambiaron radicalmente? ¿Las restricciones que se aplicaron han afectado tus conciertos?
En Buenos Aires a partir de esa tragedia se impusieron muchas normas muy fuertes de seguridad, lo que obligó a muchos centros donde se tocaba a cerrar sus puertas. Tuve, como muchos músicos, que buscar lugares alternativos para tocar, eso hizo que el circuito se achicara bastante, pero se encontraron alternativas (teatros, centros culturales) y de a poco se está regenerando. Afectó en la medida que tuvimos que tocar sólo en esos lugares por mucho tiempo.

¿Qué discos andas escuchando últimamente?
Estoy escuchando Artaud de Pescado Rabioso (banda de Spinetta), algo de Bowie, la banda Ratatat y algunos demos que me dan las bandas.

Leemos comentarios de blogs y sitios musicales argentinos que hablan de una anemia creativa en la actual escena de tu país. ¿Coincidirías con esta apreciación? En todo caso, ¿cuál es tu posición al respecto?
Me parece que la forma de la música en Argentina está muy de ascuerdo con el estado general del país, no espero más de esto. Ya que antes era una queja hacia la música, hoy un 70 por ciento de la gente consume sólo lo que hay en la radio y lo que comercializan las multinacionales que no es siempre la música que me gusta pero siempre hay una o más bandas que destacar, que sobrepasan los límites comerciales.

¿A qué nuevos grupos o solistas de tu país recomendarías prestar atención?
Flopa es una cantante maravilllosa, Mimi Maura es recomendable y su último disco más aún, la banda Valle de Muñecas también me parece buena, y de las más chicas NerdKids.

¿American Music Club o Tindersticks?
Tindersticks.

¿Bowie o The Psychedelic Furs?
Los dos.

¿Mafalda o el Eternauta?
Mafalda.

¿Borges o Pizarnik?
Los dos.

¿Cerati o Melero?
Los dos y juntos.

¿Tinelli o Pergolini?
Pergolini.

Francisco Bochatón “Rocas” (del álbum Tic Tac)

Francisco Bochatón “Puerto Amar” (del EP Píntame los Labios)